DES CAISSES ET DES CAISSES

Robert Hossein, qui n’a jamais été un immense cinéaste, s’emparait en 1982 du roman de Victor Hugo pour en proposer son adaptation. Flanqué d’Alain Decaux pour le dialogue, il livrait un film poussif, emphatique, à l’image de ses pièces de théâtre et saupoudré de cette esthétique slave pas toujours très nuancée. Malgré quelques beaux moments que souligne une magnifique musique de Michel Magne, ces 3h40 s’avèrent bien longues et aussi figées que le jeu décidément toujours aussi monolithique de Lino Ventura.

Bien connu pour ses mises en scène de théâtre pharaoniques qui faisaient intervenir le public pour le vote en faveur ou pas du personnage historique évoqué, Robert Hossein, fut également un très bon comédien, notamment chez Julien Duvivier, Claude Autant-Lara, Claude Lelouch et même Sergio Leone. Auteur d’une quinzaine de films comme cinéaste, il se montre très vite, dès sa première mise en scène pour le 7ème art, happé par cet expressionnisme auquel ses origines slaves ne sont pas étrangères. Né d’un père russe et d’une mère moldave, il restera très proche de cette ascendance, non seulement en épousant Marina Vlady (la plus célèbre des soeurs Poliakoff) mais en accrochant à son parcours artistique « Le Cuirassier Potemkine », « Les bas-fonds » (Maxime Gorki), deux fois « Crime et châtiment » (Dostoïevski), le personnage de Raspoutine pour ne citer que ceux-là. Sans oublier Tania Balachova, la comédienne russe qui le prendra sous son aile pendant la Seconde Guerre mondiale.

DU MÉLO À OUTRANCE

Pas très étonnant que cet art de l’exacerbation des sentiments ait mené Hossein à s’intéresser au roman de Victor Hugo, d’abord au théâtre puis au cinéma. Le romantisme romanesque d’Hugo est un terreau idéal pour lâcher la bonde à des séquences outrancières de mélo facile et Hossein ne s’en prive pas davantage que de puiser dans le cinéma russe ces plans classiques expressionnistes (le gros plan sur Ventura soulevant de sa force herculéenne une voiture pour en libérer un homme coincé et qui le trahira aux yeux de Javert) vus chez Einseistein, Kalatozov ou Tchoukhraï.

Mais tout cela ne serait rien si le film ne semblait pas si long et ne souffrait d’une inévitable comparaison avec les autres versions, notamment celle de Jean-Paul Le Chanois. Si l’on excepte la très belle séquence des barricades (au ralenti pour en accentuer la dramatisation, bien sûr) qui se solde par la mort de Gavroche, force est de constater qu’on s’ennuie quand même souvent et ce, malgré un respect louable au roman. Mais là où Le Chanois, flanqué de comédiens hors pairs, réussissait à nous captiver dès les premières images, Hossein nous lasse presque dans les secondes qui suivent le générique, notamment en faisant intervenir Hugo de manière peu utile.

DE BONS COMÉDIENS MAL DIRIGÉS

Le montage, pas très alerte, n’aide pas plus que dialogue très ampoulé signé pourtant d’un des grands biographes d’Hugo, Alain Decaux, mais le gros bémol reste l’interprétation. Définitivement monolithique, Lino Ventura, malgré la « gueule de l’emploi » ne tient pas la route et ne laisse aucune nuance de jeu et Jean Carmet, toujours à chouiner (certes il a joué dans « Comment réussir dans la vie quand on est con et pleurnichard » mais tout de même…) n’est pas un Thénardier bien crédible. Michel Bouquet, pourtant comédien génial, accuse également une rigidité qui efface tout le caractère mielleux et pervers que Bernard Blier rendit si brillamment du personnage de Javert.

Un film qui, malgré un budget colossal et record pour l’époque, ne parvient pas à nous faire vibrer et sentir la ferveur du roman ni sa profonde humanité.

Franck BORTELLE

EN ATTENDANT LA TROISIÈME…

La deuxième édition du Festival des Masques s’est déroulée ce week-end dans la capitale béninoise. Malgré une organisation en dents de scie, les spectacles, disséminés dans toute la ville, ont mobilisé un large public. Une fête réussie qui a fait la part belle à la couleur et aux rythmes. Un régal des yeux, incontestablement.

Le programme s’annonçait plus qu’alléchant avec des spectacles proposés dans les hauts lieux vaudous de la capitale béninoise. Pour sa deuxième édition, le Festival des Masques a globalement tenu ses promesses. Malgré quelques impairs notamment pour les accréditations presse et des changements de programme de dernière minute, les prestations annoncées ont pu avoir lieu.

De nombreux pays représentés ont donné toute leur énergie et leur talent pour épater un public venu très nombreux. Ainsi les Ivoiriens ont assuré un show mémorable où la technicité rendait l’art encore plus puissant, encore plus bluffant. Les musiciens, virtuoses, n’étaient pas en reste car on sait que du côté d’Abidjan, Yamoussoukro ou Bouaké, on n’échappe pas au démon de la danse. Parés d’une tenue sublime entre mauve et blanc, les artistes ont livré une prestation étourdissante en hommage à la tradition baoulée.

Mais c’est bien sûr le grand rendez-vous qui, un peu comme un moment de bravoure dans un film, a fait focaliser l’attention à la fois des organisateurs et des badauds. La grande parade, pour laquelle un dispositif scénique impressionnant avait été érigé, promettait un gros melting-pot de nationalités. Apparemment, les choses ont été revues à la baisse mais les Béninois du nord, les Ivoiriens et les Nigérians ont redoublé de présence pour enchanter la tribune officielle où s’étaient installés autorités diverses et variées, dont le président de la République Patrice Talon qui, casquette vissée sur la tête et tenue décontractée, a semblé savourer cet instant loin de ses obligations professionnelles.

Tenues d’une richesse inouïe tant au niveau des formes que des assortiments de couleurs, exercices de haute voltige époustouflants de lancers de capes mêlés d’acrobaties parfaitement maîtrisées ont permis de hisser haut cette parade flamboyante. On attend l’édition prochaine avec d’autant plus d’impatience…

Franck BORTELLE

ENTRE SOUPLESSE ET RIGIDITÉ

Une sortie de résidence puissante et chargée de symbole a ouvert la soirée avec le spectacle « Rouge » auquel a succédé une compétition endiablée où se sont affrontées huit équipes rivalisant de prouesses et de créativité. Une réussite totale malgré une rigidité doublée d’un indéniable chauvinisme du jury qui a préféré une des deux équipes togolaises, octroyant la seconde place à ceux qui ont pourtant vraiment fait le show…

Une table ornée d’une nappe aussi blanche que les éclairages sont rouge. La couleur du vin, du sang, celui de la vie mais aussi celui qui coule. En quarante minutes, les quatre intervenants ont offert un spectacle puissant, habité, mêlant danse et jeu dans une belle harmonie. Et même si les explications un peu fumeuses en fin de représentation auraient pu être évitées afin de laisser à chacun le soin d’interpréter tout ça comme bon lui semble, elles n’ont pas gâché ce beau moment.

Le temps d’un rapide changement de décor et l’ambiance est montée d’un cran. Après l’intimisme du « Rouge », c’est la folie bigarrée de la très attendue Breaking Battle qui a envahi l’espace du Magic Mirror de l’Institut français. Huit équipes de deux candidats, six pays. Chacune a quelques minutes pour en affronter une autre avec délibération immédiate du jury.

LA VIE EN ROSE CHEZ LES IVOIRIENS

Le show était de haute volée, incontestablement. Salto, appui tendu renversé, roulades et figures complexes se sont succédées grâce à ces véritables athlètes archi motivés. Il est simplement dommage que la victoire ait été accordée à ceux qui, sans démériter toutefois, se sont contentés de prestation classiques là où l’équipe ivoirienne s’est plue à constamment faire le show, arborant des couleurs inhabituelles (ah, cette tignasse rose bonbon) et prenant un vrai plaisir à casser les codes sans oublier de passer par la case de l’autodérision. Une souplesse tant physique que conceptuelle qui s’est malheureusement heurtée à une rigidité sans appel du jury. Dommage de ne pas récompenser celui qui cherche un tant soit peu à faire bouger les lignes…

Franck BORTELLE

UN SHOW BIEN FOUTRAQUE

Si d’un point de vue chorégraphique, l’ensemble de spectacle tient plutôt la route, on en déplorera toutefois l’aspect terriblement foutraque que ne rehausse pas certains partis-pris scénographiques ineptes. Reste un choix plutôt judicieux des morceaux musicaux même si le lien entre eux ne brille pas par son évidence.

Un retard de plus d’une demi-heure, un début de spectacle où les performers se livrent à un solo au beau milieu des spectateurs (rendant la chose invisible pour ceux qui étaient assis à l’autre bout de la jauge : bien vu le scénographe !) : tout cela ne partait pas du meilleur pied, en dépit de morceaux de musique bien choisiq, Bee Gees et Imagination en tête.

La proposition : on fait quoi en attendant l’arrivée de ce mystérieux James B. ? Pour l’identité du gars en question, on a bien compris qu’il ne s’agirait pas de 007 et qu’il faudrait orienter la recherche pour élucider ce secret de polichinelle du côté de la musique des années 70. Bref, on fait quoi en attendant l’arrivée en fanfare du James ? On danse, pardi ! Et en montant enfin sur la scène, ce qui semble frappé de bon sens…

TEXTES ET PRÉTEXTE SANS INTÉRÊT

Le texte et le prétexte, disons le clairement, sont nuls et sans intérêt et ce n’est pas cet énième rappel à l’ordre à l’attention des racistes de tout poil qui change grand-chose : les danseurs ne sont pas comédiens et ça se voit, ça se sent et surtout ça s’entend. « Tais-toi et danse » serait le mot d’ordre qu’on aurait envie de leur intimer… Et force et de constater qu’à partir du moment où ça danse, ça danse plutôt bien, forcément…

Un spectacle qui, par conséquent, débarrassé de certaines scories, pourrait immanquablement s’avérer bien plus présentable, d’autant que le petit after qui a permis aux spectateurs de s’amuser était plus que bienvenu.

Franck BORTELLE

LE CLASSICISME AU SOMMET

Le tournage d’une nouvelle adaptation des « Misérables », l’oeuvre colossale de Victor Hugo (1862), a démarré en France sous la direction de Fred Cavayé (« Le Jeu », « A bout portant », « Pour elle »). L’occasion de revenir sur ce que le cinéma français a fait à quatre reprises de ce roman majeur mondialement connu et traduit. Le premier volet portera sur la version de Jean-Paul Le Chanois de 1958. Un film qui s’inscrit dans la pure tradition de ce qu’on a appelé « la qualité française » ou « l’académisme du cinéma français des années 50 » mais qui n’est toutefois pas exempt de nombreuses qualités, bien au contraire.

Avec près de 40 adaptations au cinéma, « Les Misérables », le monumental roman de Victor Hugo, sans détenir de record ni pour l’oeuvre ni pour son auteur, fait cependant figure de grand inspirateur des scénaristes et cinéastes. Hugo se classe parmi les dix auteurs les plus adaptés à l’écran, William Shakespeare tenant, au théâtre comme au cinéma, la première place de ce palmarès dans lequel figurent également Agatha Christie, Alexandre Dumas, Stephen King ou encore Alberto Moravia.

Si l’on se place du point de vue des romans, « Les Misérables » fait également partie des oeuvres qui ont le plus inspiré les artistes de cinéma au même titre que « Roméo et Juliette » et « Hamlet », avec toutefois un plus grand éloignement pour le premier dont les adaptations libres (« West Side Story ») sont plus nombreuses que chez Hugo. Le chef de file du romantisme, avec ce roman colossal écrit à 60 ans, en impose encore et rares sont les cinéastes qui se sont écartés de cette histoire pour en livrer une version très personnelle et/ou ultra moderne. Claude Lelouch est probablement le seul à s’y être aventuré, avec un film assez contestable, là où Tchekhov, Zola, Maupassant ou encore Dostoëivski ont motivé des adaptations très libres (« La Mouette » devenue un film sur le cinéma avec « La petite Lili » de Claude Miller, « La curée » chez Roger Vadim qui se déroule dans les années 70 avec des Caravelle striant le ciel, « Boule de Suif » en version western chez John Ford avec « La chevauchée fantastique » et « Crime et châtiment » version XXème siècle chez Georges Lampin où Razkolnikov devient… Georges Brunel).

UN FILM DANS SON ÉPOQUE

Rien d’étonnant par conséquent que cette déférence envers celui que Brassens surnommait « Le père Hugo » ait motivé un cinéaste tel que Jean-Paul Le Chanois qui en a réalisé une version que d’aucuns trouvent archi académique et représentative de cette « qualité française » selon l’expression souvent chargée d’une certaine condescendance. Là où Raymond Bernard, en pleine décennie du réalisme poétique des années 30, proposait une version (dont nous reparlerons ultérieurement) totalement en phase avec l’époque des films de Carné, Renoir et autres Duvivier, Jean-Paul Le Chanois inscrit son adaptation dans cette décade que les jeunes loups de la Nouvelle Vague fustigeront dès 1954 sous la plume de François Truffaut dans « Les Cahiers du cinéma ».

Jean-Paul Le Chanois, de son vrai nom Jean-Paul Dreyfus, fut de ceux qui intégrèrent la Continental Films, cette société de production allemande créée dans Paris occupée en 1940 et dirigée par Alfred Greven sous les ordres de Joseph Göbbels, ministre de la propagande d’Hitler. Pour ce faire, il changea bien sûr de nom pour emprunter celui de son épouse. Cet acte de résistance, conjugué à son idéal politique fortement porté à gauche, crédibilise évidemment la présence de cette adaptation des « Misérables » dans sa filmographie.

STENDHAL, ZOLA, MAUPASSANT, DOSTOÏEVSKI

Les années 50. Le cinéma, qui a tourné au ralenti pendant la guerre, redevient le divertissement phare des Français qui ont besoin de rêve, de choses positives, de belles images, de beaux costumes. En un mot : de belles histoires. Quoi de mieux que d’aller chercher dans la littérature matière à faire de beaux films ? C’est ainsi que de nombreux romans du XIXème siècle vont fleurir sur les écrans : « Le rouge et le noir » et « L’auberge rouge » (Autant-Lara), « L’assommoir » (qui devient « Gervaise » chez René Clément), « Notre-Dame de Paris » (Delannoy), « Crime et châtiment », « Les nuits blanches » (Georges Lampin et Luchino Visconti), « Pot Bouille » (Julien Duvivier). Sans oublier, pour les auteurs du siècle suivant, les nombreuses adaptations de Georges Simenon.

De beaux costumes, de chatoyants décors, une distribution cinq étoiles, une musique bien léchée, une image hyper soignée et des cadrages classiques. Un travail propre, indéniablement. Trop propre, diront les contempteurs. Et pourtant…

FIDÈLE À TOUT PRIX

Si l’on écoute le cinéaste dans les compléments de programme du double DVD qui présente le film dans une version restaurée vraiment magnifique, il a opté pour ce qui semble le mot d’ordre de toute sa vie artistique et politique : la fidélité. Chaque personnage du film fait l’objet d’un travail d’écriture extrêmement soigné notamment grâce aux dialogues co-signés René Barjavel, l’auteur de « Ravage » et « La nuit des temps » bien connu des cinéphiles grâce à ses collaborations avec Duvivier (dont les deux « Don Camillo » qu’a réalisés le cinéaste), Visconti (« Le Guépard »), Cayatte (« Les chemins de Katmandou »), Verneuil (« Le mouton à cinq pattes ») et… Jean-Paul le Chanois pour « Le cas du Docteur Laurent » déjà avec Gabin.

Valjean, Javert, Fantine, Cosette, Marius, Gavroche et les épouvantables Thénardier, dont le nom est entré dans le langage courant pour désigner des êtres habités de méchanceté et de cupidité, vont donc occuper ces trois heures de spectacle non-stop. Les grandes pages du roman, de l’arrestation de Jean Valjean à la quête d’eau de la petite Cosette, de la mort de Gavroche sur les barricades au marchandage ignoble des Thénardier pour lâcher la gamine, sont donc bien présentes et constituent tout comme chez Hugo, des scènes mémorables. Un peu comme dans les plus fidèles adaptations de « Anna Karenine » de Tolstoï, les points de passage obligés (l’arrivée en gare d’Anna, sa rencontre avec Vronski, le mariage de Kitty et Levine, la déchéance puis la mort d’Anna) n’ont pas été éludés et la construction finalement très cinématographique des romans va alimenter et, dans une certaine mesure, faciliter le travail des scénaristes.

CETTE PETITE PHRASE…

Ainsi que l’explique Delphine Gleizes dans les bonus, Le Chanois, communiste avéré, ne va toutefois pas se contenter de reprendre les thèmes du romancier dans son film mais va y ajouter sa petite touche. Ainsi cette petite phrase « A chacun ses besoins » qui peut sembler anodine mais se charge de sens dans la bouche du révolutionnaire Marius (Gianni Esposito, très bon) juste après l’évocation de son dessein de « détruire la misère », phrase hugonienne à plus d’un titre, et qui n’est autre que la devise du Parti communiste.

Le choix des comédiens, qui constitue indéniablement le très grand atout de cette fresque, emprunte le même sillon revendicateur du cinéaste. Et même si Bourvil, aussi génial qu’inattendu dans le rôle de Thénardier, surprend, il n’en reste pas moins un comédien immensément populaire dans une composition qui l’est tout autant. L’immense Sylvia Montfort, la plus célèbre Chimène de l’histoire du théâtre français aux côtés de Gérard Philipe, est une sublime Éponine Thénardier mais fut également, comme son metteur en scène, une résistante émérite. Bernard Blier, devenu très populaire dès « Hôtel du Nord » de Carné, est un impeccable Javert, aussi droit que roublard, vindicatif jusqu’à la folie suicidaire.

Mais c’est bien sûr la stature de Jean Gabin qui en impose le plus. Le comédien qui fut un des émissaires du Front Populaire à travers ses rôles dans les années 30 (« La belle équipe », « Pépé le Miko ») et qui aurait été un magnifique Hugo dans un biopic consacré au romancier, parvient, malgré l’ampleur du rôle, à ne jamais tirer à soi la couverture et à faire parler les silences autant que les mots. Son interprétation chez Le Chanois (avec lequel il tourna « Le cas du docteur Laurent » et qu’il retrouvera dans « Le jardinier d’Argenteuil » et « Monsieur ») force l’admiration, loin des rôles dans lesquels il finira par se fossiliser dans les années 60/70.

Même si la version initiale de plus de 5 heures a été réduite presque de moitié, celle que propose René Chateau dans ce double DVD assorti de jolis compléments n’en demeure pas moins plus qu’honorable car elle mène là où toute adaptation cinématographique d’une oeuvre littéraire devrait mener : l’irrépressible envie de (re)prendre en mains le livre…

Franck BORTELLE

« Les Misérables » de Jean-Paul Le Chanois, 1958. Durée : 3h00 Avec Jean Gabin, Danièle Delorme, Bourvil, Bernard Blier, Sylvia Montfort, Serge Reggiani. Scénario : Jean-Paul Le Chanois et René Barjavel.

Bonus DVD : interview de Jean-Paul Le Chanois et Bernard Blier au moment du tournage et analyse du film par Arnaud Laster, président de la société des amis de Victor Hugo et Delphine Gleizes.

LE CINÉMA DANS TOUS SES ÉCLATS

Celui qu’on nomme le Pape de la Movida livrait l’an dernier à 75 ans un de ses plus beaux opus, comme un film somme de tout son cinéma, convoquant ses crédos fétiches tout en s’offrant une salvatrice traversée de l’Atlantique puisque ce 23ème long-métrage est aussi son premier tourné en langue anglaise. Une réussite majeure où la Camarde rode plus que d’habitude mais avec la vie comme point d’orgue. Et pour les cinéphiles, un véritable jeu de pistes de références au 7ème art.

Jamais évoqué dans les revues de presse, le titre est pourtant à lui seul un premier indice vers le jeu de piste cinéphilique que propose Almodovar avec ce nouvel opus. « La chambre d’à côté », contraction de « La chambre verte » (qui ne parle que de la mort) et « La Femme d’à côté » (une histoire d’amour à mort), deux oeuvres de celui qui aimait les femmes, François Truffaut. Le cinéaste avait d’ailleurs déjà utilisé ce procédé avec « Tout sur ma mère », référence directe à « All about Eve » de Mankiewicz.

D’UNE INGRID À L’AUTRE

Si le personnage qu’interprète aussi magistralement Julianne Moore s’appelle Ingrid, ce n’est probablement pas le simple fruit du hasard, les deux femmes allant voir au cinéma « Le voyage en Italie » de Rossellini dans lequel joue l’épouse du cinéaste, Ingrid Bergman, elle-même à l’affiche du célèbre « Pour qui sonne le glas » de Sam Wood d’après le roman d’Ernest Hemingway auquel Almodovar fera allusion puisqu’il est aussi beaucoup question de littérature et d’écriture dans son film. Martha, sur le point de mourir d’un cancer, est reporter de guerre et son amie Ingrid romancière. Leur amitié va se consolider, lorsqu’elles vont s’enfermer dans une superbe maison, sur la base aussi de leur passion pour les arts.

Si ces multiples références artistiques ne sont pas au coeur du sujet, elles sont, comme souvent chez le cinéaste espagnol, un point essentiel dans l’élaboration de ses personnages et justifient pleinement les partis pris esthétiques qui ont depuis quatre décennies, forgé la « Almodovar’s touch » comme jadis celle de Lubitsch bien connue. Ainsi qu’il l’explique d’ailleurs dans les compléments de programme, le choix des couleurs domine. Et si le rouge, sa couleur préférée dont il nimbe nombre de ses films jusqu’aux affiches parfois (« Tout sur ma mère » notamment), reste plus absent cette fois-ci, il en colore l’élément clé du décor, la porte de la chambre du titre, point de focalisation d’Ingrid selon un code convenu avec son amie : si la porte est fermée au petit matin, cela signifiera qu’elle a avalé la pilule du grand départ…

Cette mise en scène de son propre trépas du personnage de Martha (sublime Tilda Swinton) constitue l’élément fort du film et vers lequel tout converge. Le cinéaste ne va pourtant pas plomber son propos ni assommer le spectateur de ce que la mort peut faire naître d’angoisses existentielles comme le fait, magistralement d’ailleurs, Nanni Moretti avec « La chambre du fils » (encore une chambre…). Comme un pied-de-nez à la Camarde, presque un « trompe la mort » cher à Brassens, le pape de la Movida, va constamment se tourner vers la vie. La vie et l’espoir. La plus petite particule d’espoir se transforme en une explosion de vie, une rage de saisir l’instant et d’en déguster toute la substance.

UN FILM ESPAGNOL EN ANGLAIS

Dès les premiers instants, le cinéaste nous capte, nous prend par la main avec cette séquence d’ouverture où Ingrid dédicace son nouveau roman. Jusqu’à la toute dernière image, il nous embarque dans les dédales de son imagination toujours aussi fertile, nous faisant comme toujours, avaler des couleuvres scénaristiques qui feraient sourire de condescendance si elles émanaient d’un autre. Mais dans sa folie créatrice, Almodovar n’oublie jamais le citoyen qu’il est, l’homme « aware » du monde dans lequel il vit et, nous reposant les pieds sur terre pour mieux renvoyer la tête dans les nuages l’instant suivant, il n’a de cesse de nous ballotter entre deux. Deux femmes qui s’aiment et se déchirent, deux mondes qui se télescopent, deux chambres, deux états (vie et mort) mais aussi deux continents, le cinéaste n’ayant, malgré la langue anglaise et ces deux stars hollywoodiennes, jamais oublié son Espagne natale. Son film, qui réserve des moments d’émotion brute et pure et qui a reçu le Lion d’Or lors de la Mostra de Venise en 2024, reste en effet bel et bien un film de sa péninsule ibérique et jamais un produit de la presqu’ile californienne…

Franck BORTELLE

« La chambre d’à côté », de Pedro Almodovar avec Julianne Moore, Tilda Swinton, John Turturro (2024) en DVD, Blue Ray et sur les plateformes de téléchargement. Avec en complément de programme l’interview publique du cinéaste et des deux comédiennes.

COMME UN OXYMORE DE RIRE

La nouvelle coqueluche du cinéma français effectue une entrée fracassante dans les librairies avec un roman qui dynamite les codes, égratignant sans vergogne la bien-pensance. Dans un style ciselé, même si parfois un tantinet démonstratif, le jeune romancier nous mène sur les pistes délicieusement glissantes du politiquement incorrect à travers un personnage de serial killer décomplexé et diablement réfléchi. Un exercice purement jubilatoire qui navigue entre Dard et Vian.

Il est le chouchou des plateaux télé depuis quelques mois maintenant. Avec cette voix, immédiatement reconnaissable et qui sème la confusion sur ses origines alors qu’elle n’est que la conséquence d’une malformation nasale, le gars étant tout bêtement de Grenoble, il assure le show aussi assurément qu’un Luchini, la modestie en plus. Véritable oxymore à lui tout seul, il impose son style par des pensées fulgurantes sous une nonchalance de façade. Son livre lui ressemble…

Un type asocial rate son suicide et décide de se venger sur la société en devant féminicide. Avec un sens de l’organisation qui frôle la maniaquerie, il orchestre la suppression en bonne et due forme une demi-douzaine de femmes issues de milieux radicalement différents. Jusqu’au jour où…

UN CARTON EN LIBRAIRIE

Le style est percutant, décomplexé et souvent très drôle. Un humour macabre totalement assumé persille ce roman à nulle autre pareil. Jouant sans cesse sur l’amoralité de son personnage, le jeune romancier, qui effectue une entrée plus que remarquée (son livre en est déjà à plusieurs rééditions) dans le landernau littéraire, balade le lecteur au gré à la fois de ses rues pavées des pires intentions et des méandres de son mental en perpétuelle ébullition.

Avec une science du détail quasi entomologique, le romancier scrute les faits et gestes des victimes de ce personnage qui compose avec une loufoquerie permanente pour mieux alimenter un constat social parfois vitriolé. Ainsi, entre références qui sont plus que de simples clins d’oeil (Boris Vian dans « L’Ecume des jours » mais aussi toute la mouvance surréaliste jusqu’à Frédéric Dard et Michel Audiard, voire Bertrand Blier) et sa propre vision du monde, Raphaël Quenard nous balance en pleine tronche une mini-bombe où le rire, certes dominant, laisse parfois place, à travers des phrases quasi proverbiales, à une prise pour témoin du lecteur d’un monde en pleine déconfiture…

Assurément, un délicieux traquenard !

Franck BORTELLE

« Clamser à Tataouine » de Raphaël Quenard, Editions Flammarion.

Extraits :

• La sagesse tient plus de l’acceptation de notre bassesse qu’à son combat
• Dire tout et son contraire, c’est le début de la transparence. C’est le seul moyen de retranscrire avec justesse le chaos d’une âme humaine.
• Le jargon impressionne. Entrer dans le détail d’un sujet, voilà la meilleure façon d’éviter d’en parler. Pas même besoin de creuser, il suffit de donner l’illusion qu’y entrer ne nous poserait aucun problème. Le triomphe de l’esbroufe.
• Comme tous les conseils sortant d’une bouche plus âgée, on ne les comprend vraiment que plus tard. Nul pédagogue n’égale le temps qui passe.
• Elle a eu la main lourde sur le rouge à lèvres. En plus d’avoir été généreuse, Louise a été maladroite. Le dépôt déborde de ses lèvres par endroits, Mon esprit déréglé interprète sa maladresse comme une volonté de se donner l’air souillon de celle qui vient de se faire limer la barquette. Sur le volet capillaire, on reste dans elle thème.Uncoiffé-décoiffé chic-débraillé qui m’excite comme un canasson. Je l’imagine brûlant ma bite à deux mains avec l’habileté d’un chef étoilé maniant son poivrier.
• Elle déroule. Ses excursions pédestres constituent pour elle un retour à l’essentiel. L’isolement et le silence produisent sur elle un effet des plus bienfaiteurs. Le rat des villes que je suis a bien conscience de cette possible exaltation mais sa concrétisation est malheureusement mise à mal par cette paralysante flémingite qui, trop souvent, fait de moi l’esclave servile de mon canapé.

AUX MALHEURS DES DAMES

Le scénariste de Robert Guédiguian s’empare de la vie privée du créateur des Rougon-Macquart en prenant appui sur la triste découverte d’Alexandrine, l’épouse légitime, de la double vie de son célèbre mari et des deux enfants qui en sont nés. Larmoyant et pompeux, l’auteur passe à côté d’un très bon sujet, se contentant de faire de la presse people. Décevant.

Les amateurs du cinéma de Robert Guédigian auront forcément repéré son nom au générique de bon nombre de films. Jean-Louis Milesi est en effet le créateur des personnages hauts en couleurs de Marius, Jeannette, Marie-Jo et autres Lady Jane. On lui doit l’histoire du plus poignant film du célèbre Marseillais, « La ville est tranquille » mais aussi celle du pire opus du cinéaste, « Les Neiges du Kilimandjaro » qui n’est pas un remake du film de Henry King d’après Hemingway mais une histoire inspirée de la chanson éponyme de Pascal Danel, parangon de niaiserie comme on en pondait treize à la douzaine dans les années 60. Le film de Guédiguian est à l’avenant et le bouquin de Milesi aussi…

Nous sommes à la fin du 19ème siècle. Emile Zola vient d’achever sa colossale série romanesque des Rougon-Macquart avec « Le Docteur Pascal ». Son épouse Alexandrine apprend par un courrier furtivement torché sur un bout de papier que son illustre mari entretient depuis trente ans une liaison avec une certaine Jeanne Rozerot qui lui a donné deux rejetons. S’ensuivent de multiples questionnements qui alimentent un psychodrame en bonne et due forme…

UNE LITTÉRATURE DE CANIVEAU

Sans chercher à jouer les ayatollahs de la vérité historique (avec laquelle Milesi joue pourtant de manière parfois éhontée), disons tout net que cette évocation de la vie privée du chef de file du naturalisme s’avère un ratage sévère. Se fourvoyant dans des détails parfois sordides qui ne rehaussent bien sûr pas son propos, l’auteur nous livre plutôt de la littérature de caniveau dont la forme ne repêche pas le fond. Bien mal écrite et plus encore lorsque Milesi tente de faire du Zola (un comble !), cette évocation d’une cocue de plus aurait mérité un peu plus d’attention sur celui qui en était le responsable car au fond, Alexandrine n’ayant jamais été pour Zola ce que fut Juliette Drouet pour Hugo, le total désintérêt pour sa personne finit par être aussi inévitable que celui que nous fait ressentir Milesi trois cents pages durant.

Larmoyante, oui. Flamboyante non !

Franck BORTELLE

« Flamboyante Zola » de Jean-Louis Milesi aux éditions Presses de la Cité.

LES RISQUES DU MÉTIER

Une coproduction franco-balkanique particulièrement séduisante qui soulève des quantités de questions sur un fond historique omniprésent. La science au coeur du sujet ne phagocyte pourtant pas pour autant une très belle histoire d’amitié qui offre de grands moments de pure émotion. Une réussite qui mériterait de connaître une seconde vie après un échec injuste dans les salles de cinéma.

La science constitue à la fois tous les espoirs et les pires dangers, disait Jean Rostand. Quand un réacteur nucléaire pète et irradie les scientifiques qui se trouvent en son coeur, où est l’espoir ? C’est ce que propose ce film magnifique produit par trois pays de l’ex-Yougoslavie (Slovénie, Macédoine, Serbie). Nous sommes en pleine guerre froide, le Maréchal Tito règne sur ce pays qu’il a unifié de ses mains. Dans la course à l’armement, le plus important pays des Balkans entend tenir sa place mais tout va dérailler. Un exercice poussé trop loin et c’est la cata. Cinq victimes sont envoyées en France à l’Institut Pierre et Marie Curie pour une tentative de guérison.

UN RYTHME SOUTENU

Avec une construction volontairement binaire qui permet des flashbacks itératifs de l’accident imminent en alternance avec les séquences dans un présent de narration forcément historique à nos yeux, le cinéaste va insuffler un rythme soutenu à son film et procéder à toute une série d’enchâssements. Science et conscience, boulot et amitié, espoir et désillusion vont ainsi faire la part belle à ce long-métrage venu d’une contrée qui, bien qu’à seulement quelques heures d’avion de la France, fait moins parler d’elle en matière de cinéma (surtout depuis que Kusturica ne fait plus rien) que de géopolitique.

L’élégance de la mise en scène, qui ne résiste pas à évoquer cette rigueur froide soviétique notamment avec des plans de décors où règne une parfaite symétrie, conjugue aussi le verbe aimer avec ce mélange de pudeur et de folie si typiquement slave. Ainsi cette séquence improvisée de danse lorsque résonne un chant balkanique sur la radio et à laquelle se livrent les irradiés, visages émaciés plus morts que vivants, se révèle aussi bouleversante que puissamment signifiante quant à la place qu’occupe le mental dans toute procédure de guérison.

DES COMÉDIENS EXCELLENTS

Le dilemme au coeur du propos (tenter sur des hommes ce qui n’a pas marché sur des souris), phénomène on ne peut plus binaire, va insuffler cette dose d’espoir propre à toute entreprise à haut risque, surtout lorsque celle-ci repose sur des faits tenus ultra-secrets. Sans manichéisme et avec une part belle d’humanisme, le cinéaste, qui par ailleurs dirige magnifiquement ses comédiens (Alexis Manenti en tête, vu dans « Les Misérables »), nous livre un film fort, aux images parfois choquantes voire insoutenables, mais n’est-ce pas là aussi le prix de l’avancée scientifique ?

Franck BORTELLE

L’Affaire Vinča Curie, de Dragan Bjelogrlic (2024), 1h40

Avec Alexis Manenti, Rdivoye Bukvic, Jérémie Laheurte, Jovan Jovanovic, Alise Radkovic, Lionel Abelnanski, Anne Serra.

En DVD et sur les plateformes de téléchargement

LE PAPE EST MORT, VIVE LE PAPE !

Malgré une minutieuse reconstitution d’un lieu très peu accessible au public, un soin particulier accordé aux costumes et une distribution de haut vol avec un Ralph Fiennes puissamment habité, voilà un thriller qui s’enlise par manque de rythme et n’hésite pas à flanquer son propos d’absurdités rares….

Le pape vient de mourir. Les cardinaux se réunissent pour élire le prochain. Chaque étape du scrutin fait l’objet de machinations les plus diaboliques qui soient. Tous les coups sont permis pour évincer les concurrents, sans parler que le défunt avait caché quelque chose que l’organisateur de l’élection doit absolument découvrir avant la désignation du nouveau souverain pontife.

TOUT POUR PLAIRE

Réalisateur bien connu pour ses séries tournées outre-Rhin, Edward Berger nous livre un thriller qui a tout pour plaire : un sujet pas si souvent abordé, une intrigue qui le pimente d’autant plus qu’il demeure un des faits les plus opiniâtrement gardés secrets. Hélas, du thriller ne reste pas grand-chose, le rythme inhérent au genre ayant passablement déserté l’écran. Filmé sans génie et même sans grand talent, ce « Conclave » pourtant doté d’énormes moyens savamment utilisés pour la confection des décors et des costumes, s’enlise par ailleurs dans une adjonction de faits d’une assez rare débilité.

Que viennent faire en effet ces histoires d’attentat islamiste au milieu de la grand-messe d’élection du souverain pontife, sans parler de cette idée qui se veut féministe d’avoir coller un utérus à l’heureux élu ? Du féminisme aussi rentre-dedans et amené avec l’élégance et la légèreté d’un AMX 30 (PS : un char d’assaut) ne devrait guère servir d’étendard à nos Despentes et autres passionaria de la cause.

UNE IMAGE MAGNIFIQUE

Tout cela est d’autant plus dommage que l’image est magnifique et les comédiens réalisent tous une belle performance, Ralph Fiennes et l’excellente Isabella Rossellini en tête. Mais cela ne suffira pas pour hisser bien haut ce film au firmament des grandes oeuvres ayant pénétré les voies du seigneur, qu’il s’agissent du chef-d’oeuvre de Pialat « Sous le soleil de Satan » ou « La loi du silence » d’Hitchcock pour ne citer que ces deux-là…

Franck BORTELLE

« Conclave » de Edward Berger, 2024, 2h00.

En DVD et sur les plateformes de téléchargement.