DES CAISSES ET DES CAISSES

Robert Hossein, qui n’a jamais été un immense cinéaste, s’emparait en 1982 du roman de Victor Hugo pour en proposer son adaptation. Flanqué d’Alain Decaux pour le dialogue, il livrait un film poussif, emphatique, à l’image de ses pièces de théâtre et saupoudré de cette esthétique slave pas toujours très nuancée. Malgré quelques beaux moments que souligne une magnifique musique de Michel Magne, ces 3h40 s’avèrent bien longues et aussi figées que le jeu décidément toujours aussi monolithique de Lino Ventura.

Bien connu pour ses mises en scène de théâtre pharaoniques qui faisaient intervenir le public pour le vote en faveur ou pas du personnage historique évoqué, Robert Hossein, fut également un très bon comédien, notamment chez Julien Duvivier, Claude Autant-Lara, Claude Lelouch et même Sergio Leone. Auteur d’une quinzaine de films comme cinéaste, il se montre très vite, dès sa première mise en scène pour le 7ème art, happé par cet expressionnisme auquel ses origines slaves ne sont pas étrangères. Né d’un père russe et d’une mère moldave, il restera très proche de cette ascendance, non seulement en épousant Marina Vlady (la plus célèbre des soeurs Poliakoff) mais en accrochant à son parcours artistique « Le Cuirassier Potemkine », « Les bas-fonds » (Maxime Gorki), deux fois « Crime et châtiment » (Dostoïevski), le personnage de Raspoutine pour ne citer que ceux-là. Sans oublier Tania Balachova, la comédienne russe qui le prendra sous son aile pendant la Seconde Guerre mondiale.

DU MÉLO À OUTRANCE

Pas très étonnant que cet art de l’exacerbation des sentiments ait mené Hossein à s’intéresser au roman de Victor Hugo, d’abord au théâtre puis au cinéma. Le romantisme romanesque d’Hugo est un terreau idéal pour lâcher la bonde à des séquences outrancières de mélo facile et Hossein ne s’en prive pas davantage que de puiser dans le cinéma russe ces plans classiques expressionnistes (le gros plan sur Ventura soulevant de sa force herculéenne une voiture pour en libérer un homme coincé et qui le trahira aux yeux de Javert) vus chez Einseistein, Kalatozov ou Tchoukhraï.

Mais tout cela ne serait rien si le film ne semblait pas si long et ne souffrait d’une inévitable comparaison avec les autres versions, notamment celle de Jean-Paul Le Chanois. Si l’on excepte la très belle séquence des barricades (au ralenti pour en accentuer la dramatisation, bien sûr) qui se solde par la mort de Gavroche, force est de constater qu’on s’ennuie quand même souvent et ce, malgré un respect louable au roman. Mais là où Le Chanois, flanqué de comédiens hors pairs, réussissait à nous captiver dès les premières images, Hossein nous lasse presque dans les secondes qui suivent le générique, notamment en faisant intervenir Hugo de manière peu utile.

DE BONS COMÉDIENS MAL DIRIGÉS

Le montage, pas très alerte, n’aide pas plus que dialogue très ampoulé signé pourtant d’un des grands biographes d’Hugo, Alain Decaux, mais le gros bémol reste l’interprétation. Définitivement monolithique, Lino Ventura, malgré la « gueule de l’emploi » ne tient pas la route et ne laisse aucune nuance de jeu et Jean Carmet, toujours à chouiner (certes il a joué dans « Comment réussir dans la vie quand on est con et pleurnichard » mais tout de même…) n’est pas un Thénardier bien crédible. Michel Bouquet, pourtant comédien génial, accuse également une rigidité qui efface tout le caractère mielleux et pervers que Bernard Blier rendit si brillamment du personnage de Javert.

Un film qui, malgré un budget colossal et record pour l’époque, ne parvient pas à nous faire vibrer et sentir la ferveur du roman ni sa profonde humanité.

Franck BORTELLE

UN SHOW BIEN FOUTRAQUE

Si d’un point de vue chorégraphique, l’ensemble de spectacle tient plutôt la route, on en déplorera toutefois l’aspect terriblement foutraque que ne rehausse pas certains partis-pris scénographiques ineptes. Reste un choix plutôt judicieux des morceaux musicaux même si le lien entre eux ne brille pas par son évidence.

Un retard de plus d’une demi-heure, un début de spectacle où les performers se livrent à un solo au beau milieu des spectateurs (rendant la chose invisible pour ceux qui étaient assis à l’autre bout de la jauge : bien vu le scénographe !) : tout cela ne partait pas du meilleur pied, en dépit de morceaux de musique bien choisiq, Bee Gees et Imagination en tête.

La proposition : on fait quoi en attendant l’arrivée de ce mystérieux James B. ? Pour l’identité du gars en question, on a bien compris qu’il ne s’agirait pas de 007 et qu’il faudrait orienter la recherche pour élucider ce secret de polichinelle du côté de la musique des années 70. Bref, on fait quoi en attendant l’arrivée en fanfare du James ? On danse, pardi ! Et en montant enfin sur la scène, ce qui semble frappé de bon sens…

TEXTES ET PRÉTEXTE SANS INTÉRÊT

Le texte et le prétexte, disons le clairement, sont nuls et sans intérêt et ce n’est pas cet énième rappel à l’ordre à l’attention des racistes de tout poil qui change grand-chose : les danseurs ne sont pas comédiens et ça se voit, ça se sent et surtout ça s’entend. « Tais-toi et danse » serait le mot d’ordre qu’on aurait envie de leur intimer… Et force et de constater qu’à partir du moment où ça danse, ça danse plutôt bien, forcément…

Un spectacle qui, par conséquent, débarrassé de certaines scories, pourrait immanquablement s’avérer bien plus présentable, d’autant que le petit after qui a permis aux spectateurs de s’amuser était plus que bienvenu.

Franck BORTELLE

LE CLASSICISME AU SOMMET

Le tournage d’une nouvelle adaptation des « Misérables », l’oeuvre colossale de Victor Hugo (1862), a démarré en France sous la direction de Fred Cavayé (« Le Jeu », « A bout portant », « Pour elle »). L’occasion de revenir sur ce que le cinéma français a fait à quatre reprises de ce roman majeur mondialement connu et traduit. Le premier volet portera sur la version de Jean-Paul Le Chanois de 1958. Un film qui s’inscrit dans la pure tradition de ce qu’on a appelé « la qualité française » ou « l’académisme du cinéma français des années 50 » mais qui n’est toutefois pas exempt de nombreuses qualités, bien au contraire.

Avec près de 40 adaptations au cinéma, « Les Misérables », le monumental roman de Victor Hugo, sans détenir de record ni pour l’oeuvre ni pour son auteur, fait cependant figure de grand inspirateur des scénaristes et cinéastes. Hugo se classe parmi les dix auteurs les plus adaptés à l’écran, William Shakespeare tenant, au théâtre comme au cinéma, la première place de ce palmarès dans lequel figurent également Agatha Christie, Alexandre Dumas, Stephen King ou encore Alberto Moravia.

Si l’on se place du point de vue des romans, « Les Misérables » fait également partie des oeuvres qui ont le plus inspiré les artistes de cinéma au même titre que « Roméo et Juliette » et « Hamlet », avec toutefois un plus grand éloignement pour le premier dont les adaptations libres (« West Side Story ») sont plus nombreuses que chez Hugo. Le chef de file du romantisme, avec ce roman colossal écrit à 60 ans, en impose encore et rares sont les cinéastes qui se sont écartés de cette histoire pour en livrer une version très personnelle et/ou ultra moderne. Claude Lelouch est probablement le seul à s’y être aventuré, avec un film assez contestable, là où Tchekhov, Zola, Maupassant ou encore Dostoëivski ont motivé des adaptations très libres (« La Mouette » devenue un film sur le cinéma avec « La petite Lili » de Claude Miller, « La curée » chez Roger Vadim qui se déroule dans les années 70 avec des Caravelle striant le ciel, « Boule de Suif » en version western chez John Ford avec « La chevauchée fantastique » et « Crime et châtiment » version XXème siècle chez Georges Lampin où Razkolnikov devient… Georges Brunel).

UN FILM DANS SON ÉPOQUE

Rien d’étonnant par conséquent que cette déférence envers celui que Brassens surnommait « Le père Hugo » ait motivé un cinéaste tel que Jean-Paul Le Chanois qui en a réalisé une version que d’aucuns trouvent archi académique et représentative de cette « qualité française » selon l’expression souvent chargée d’une certaine condescendance. Là où Raymond Bernard, en pleine décennie du réalisme poétique des années 30, proposait une version (dont nous reparlerons ultérieurement) totalement en phase avec l’époque des films de Carné, Renoir et autres Duvivier, Jean-Paul Le Chanois inscrit son adaptation dans cette décade que les jeunes loups de la Nouvelle Vague fustigeront dès 1954 sous la plume de François Truffaut dans « Les Cahiers du cinéma ».

Jean-Paul Le Chanois, de son vrai nom Jean-Paul Dreyfus, fut de ceux qui intégrèrent la Continental Films, cette société de production allemande créée dans Paris occupée en 1940 et dirigée par Alfred Greven sous les ordres de Joseph Göbbels, ministre de la propagande d’Hitler. Pour ce faire, il changea bien sûr de nom pour emprunter celui de son épouse. Cet acte de résistance, conjugué à son idéal politique fortement porté à gauche, crédibilise évidemment la présence de cette adaptation des « Misérables » dans sa filmographie.

STENDHAL, ZOLA, MAUPASSANT, DOSTOÏEVSKI

Les années 50. Le cinéma, qui a tourné au ralenti pendant la guerre, redevient le divertissement phare des Français qui ont besoin de rêve, de choses positives, de belles images, de beaux costumes. En un mot : de belles histoires. Quoi de mieux que d’aller chercher dans la littérature matière à faire de beaux films ? C’est ainsi que de nombreux romans du XIXème siècle vont fleurir sur les écrans : « Le rouge et le noir » et « L’auberge rouge » (Autant-Lara), « L’assommoir » (qui devient « Gervaise » chez René Clément), « Notre-Dame de Paris » (Delannoy), « Crime et châtiment », « Les nuits blanches » (Georges Lampin et Luchino Visconti), « Pot Bouille » (Julien Duvivier). Sans oublier, pour les auteurs du siècle suivant, les nombreuses adaptations de Georges Simenon.

De beaux costumes, de chatoyants décors, une distribution cinq étoiles, une musique bien léchée, une image hyper soignée et des cadrages classiques. Un travail propre, indéniablement. Trop propre, diront les contempteurs. Et pourtant…

FIDÈLE À TOUT PRIX

Si l’on écoute le cinéaste dans les compléments de programme du double DVD qui présente le film dans une version restaurée vraiment magnifique, il a opté pour ce qui semble le mot d’ordre de toute sa vie artistique et politique : la fidélité. Chaque personnage du film fait l’objet d’un travail d’écriture extrêmement soigné notamment grâce aux dialogues co-signés René Barjavel, l’auteur de « Ravage » et « La nuit des temps » bien connu des cinéphiles grâce à ses collaborations avec Duvivier (dont les deux « Don Camillo » qu’a réalisés le cinéaste), Visconti (« Le Guépard »), Cayatte (« Les chemins de Katmandou »), Verneuil (« Le mouton à cinq pattes ») et… Jean-Paul le Chanois pour « Le cas du Docteur Laurent » déjà avec Gabin.

Valjean, Javert, Fantine, Cosette, Marius, Gavroche et les épouvantables Thénardier, dont le nom est entré dans le langage courant pour désigner des êtres habités de méchanceté et de cupidité, vont donc occuper ces trois heures de spectacle non-stop. Les grandes pages du roman, de l’arrestation de Jean Valjean à la quête d’eau de la petite Cosette, de la mort de Gavroche sur les barricades au marchandage ignoble des Thénardier pour lâcher la gamine, sont donc bien présentes et constituent tout comme chez Hugo, des scènes mémorables. Un peu comme dans les plus fidèles adaptations de « Anna Karenine » de Tolstoï, les points de passage obligés (l’arrivée en gare d’Anna, sa rencontre avec Vronski, le mariage de Kitty et Levine, la déchéance puis la mort d’Anna) n’ont pas été éludés et la construction finalement très cinématographique des romans va alimenter et, dans une certaine mesure, faciliter le travail des scénaristes.

CETTE PETITE PHRASE…

Ainsi que l’explique Delphine Gleizes dans les bonus, Le Chanois, communiste avéré, ne va toutefois pas se contenter de reprendre les thèmes du romancier dans son film mais va y ajouter sa petite touche. Ainsi cette petite phrase « A chacun ses besoins » qui peut sembler anodine mais se charge de sens dans la bouche du révolutionnaire Marius (Gianni Esposito, très bon) juste après l’évocation de son dessein de « détruire la misère », phrase hugonienne à plus d’un titre, et qui n’est autre que la devise du Parti communiste.

Le choix des comédiens, qui constitue indéniablement le très grand atout de cette fresque, emprunte le même sillon revendicateur du cinéaste. Et même si Bourvil, aussi génial qu’inattendu dans le rôle de Thénardier, surprend, il n’en reste pas moins un comédien immensément populaire dans une composition qui l’est tout autant. L’immense Sylvia Montfort, la plus célèbre Chimène de l’histoire du théâtre français aux côtés de Gérard Philipe, est une sublime Éponine Thénardier mais fut également, comme son metteur en scène, une résistante émérite. Bernard Blier, devenu très populaire dès « Hôtel du Nord » de Carné, est un impeccable Javert, aussi droit que roublard, vindicatif jusqu’à la folie suicidaire.

Mais c’est bien sûr la stature de Jean Gabin qui en impose le plus. Le comédien qui fut un des émissaires du Front Populaire à travers ses rôles dans les années 30 (« La belle équipe », « Pépé le Miko ») et qui aurait été un magnifique Hugo dans un biopic consacré au romancier, parvient, malgré l’ampleur du rôle, à ne jamais tirer à soi la couverture et à faire parler les silences autant que les mots. Son interprétation chez Le Chanois (avec lequel il tourna « Le cas du docteur Laurent » et qu’il retrouvera dans « Le jardinier d’Argenteuil » et « Monsieur ») force l’admiration, loin des rôles dans lesquels il finira par se fossiliser dans les années 60/70.

Même si la version initiale de plus de 5 heures a été réduite presque de moitié, celle que propose René Chateau dans ce double DVD assorti de jolis compléments n’en demeure pas moins plus qu’honorable car elle mène là où toute adaptation cinématographique d’une oeuvre littéraire devrait mener : l’irrépressible envie de (re)prendre en mains le livre…

Franck BORTELLE

« Les Misérables » de Jean-Paul Le Chanois, 1958. Durée : 3h00 Avec Jean Gabin, Danièle Delorme, Bourvil, Bernard Blier, Sylvia Montfort, Serge Reggiani. Scénario : Jean-Paul Le Chanois et René Barjavel.

Bonus DVD : interview de Jean-Paul Le Chanois et Bernard Blier au moment du tournage et analyse du film par Arnaud Laster, président de la société des amis de Victor Hugo et Delphine Gleizes.

Dans un style simple, le comédien bien connu des spectateurs de la Comédie française mais également des salles de cinéma nous emmène dans le pays de ses ancêtres, la Géorgie. De la diversité qui y règne et dont les Géorgiens se targuent à juste titre, l’auteur va s’emparer pour livrer une oeuvre qui elle aussi affiche une multitude de thèmes. Un voyage passionnant pour découvrir ce pays dont on ne parle finalement que lorsqu’il subit les assauts du géant russe ou lorsqu’un de ses représentants s’illustre en Ovalie…

La Géorgie… Ce pays qui, lorsqu’on ne lui fait pas l’affront de le confondre avec son homologue américaine, ne fait guère parler de lui. Flanqué entre Turquie et les monts du Caucase qui le séparent du géant et parfois gênant voisin russe, il marque pourtant tout visiteur qui s’y aventure. De ses déserts arides proches de l’Azerbaïdjan aux rivières de montagnes qui ont donné la naissance à la ville thermale de Borjomi, des vignes de la luxuriante Kakhétie aux rivages de la Mer Noire, la Géorgie explose de diversité comme si cette terre de rencontres avait conservé un héritage qu’elle a fait sien de tous ceux qui ont foulé son sol. La diversité dont les Géorgiens se targuent à juste titre est partout, des paysages aux climats, de la gastronomie à l’architecture, sans parler d’une multitude de grands représentants des arts et lettres, du peintre Pirosmani aux cinéastes Kalatozov (son vrai nom : Kalatozchvili, auteur du chef d’oeuvre « Quand passent les cigognes »), Paradjanov, Iosseliani ou l’incontournable Rezo Chreidze auteur du film le plus célèbre du pays « Le père du soldat ».

UN TABLEAU COMME POINT DE DÉPART

C’est un tableau représentant une de ses aïeules qui sert de point de départ à ce roman totalement autobiographique. Le narrateur a en effet l’idée au demeurant un peu loufoque d’aller passer la nuit dans un musée devant ladite représentation dont il n’hésite d’ailleurs pas à dire qu’elle ne lui ressemble pas du tout. De déboires en déconvenues, il finira par être convié dans un autre musée, flanqué de trois gardes du corps prénommés Guio (diminutif de Giorgi, prénom masculin le plus répandu là-bas) mais bien en présence de la toile en question. La nuit va, comme dit l’apophtegme, lui porter conseil…

Dans un style simple, comme s’il s’interdisait de tenter d’imiter les grands du répertoire qu’il a joués à la Comédie française, il nous emmène donc à Tbilissi, la capitale aux quarante églises que traverse la nonchalante Koura. Cette ville que surplombe une forteresse où se tenait l’ancien coeur de la cité va être décrite par le romancier avec force détails que tout voyageur ayant visité la Géorgie ne manquera pas de repérer. C’est un regard très lucide mais jamais dénué d’une vraie tendresse qu’il porte sur ses ancêtres et leurs descendants. De l’accueil toujours grandiose réservé aux invités et visiteurs aux tablées couvertes de victuailles (la gastronomie géorgienne devrait figurer au patrimoine de l’UNESCO), de cette langue ultra complexe (une des plus vieilles du monde) aux cérémonies religieuses (toujours très impressionnantes), Guillaume, sans les garçons, passe à table et nous livre un état des lieux riche et coloré de son pays d’origine. Il n’exclut par pour autant, et ce n’est pas la moindre des qualités, ce que la Russie a apporté dans son parcours culturel. Grand amateur de Dostoïevski (l’inverse surprendrait) et amoureux d’Anna Karenine, la suppliciée des convenances sous la plume de Tolstoï, il cite également le génial roman « Oblomov » de Gontcharov que Nikita Mikhalkov porta à l’écran dans les années 70.

PLUS QU’UN SIMPLE VOYAGE

C’est plus qu’un voyage, c’est un parcours initiatique que livre le romancier. Puissamment cathartique, son périple et son expérience vont aussi le mener sur les routes cabossées de son passé familial. La Géorgie aurait-elle cette force ? A en lire ces quelque 280 pages, on se prend à y croire. Y passer quelques mois ou quelques années finit par nous en convaincre car, ainsi que nous le confesse l’auteur de cet ouvrage diablement original et au titre d’une poésie folle, on ne revient pas indemne de cette expérience au pays des rinkali (2) et de la limonade à l’estragon…

(1) « A la vôtre » en géorgien

(2) un des nombreux plats phare de la gastronomie géorgienne.

Texte et photos : Franck BORTELLE

« Le buveur de brume » de Guillaume Gallienne aux Editions Stock. 280 pages.

QUAND LE REGGAE RÉGALE

C’est une sortie de résidence assez inhabituelle et propulsée au programme de la Fête de la Musique sur la scène Jimmy Hope de l’Institut français qui a été proposée au public en ce jour du solstice d’été. Une réussite tant musicale avec 12 titres joués pour la première fois que scénique avec des intervenants très investis. Retour en image d’un concert réussi.

Le grand oeuvre du ministre de la Culture de François Mitterrand, Jack Lang, continue de faire florès. Créée en 1985 en France, le concept de la Fête de la musique est désormais présent sur toute la planète puisque racheté par des dizaines de pays.

A Lomé, c’est l’institut français, sous la férule de l’Union européenne qui chapeaute le projet « Togo Créatif » qui a abrité le principal événement musical de cette fête. Le projet consistait à mettre en lumière les origines de la musique reggae, cette musique qu’on associe trop souvent et seulement à la Jamaïque, avec ses inusables clichés de dreadlockés enfumés à la marjuana chaloupant aux rythmes langoureux de chansons « peace and love », en oubliant ses racines ouest-africaines.

Le quatrième mur brisé en deux secondes

Après l’inévitable et comme souvent interminable séance de remerciements et congratulations à laquelle s’est ajoutée la projection d’un film qui n’a pas captivé grand-monde, le show a été lancé et dès les premiers riffs de guitare, le ton était donné. Le fameux quatrième mur fut brisé en deux secondes et deux heures durant, les sonorités reggae élégamment fusionnées avec l’afrobeat ont habité l’espace. Chants, instrumentaux, danse se sont donc mélangés pour offrir un spectacle de haute volée, rehaussé par la classe indéniable des costumes à la fois sobres et élégants, auquel le public n’a pas manqué de participer très activement. Un savoureux cocktail d’harmonies qui s’est terminé par un bel hommage au pape du reggae, Bob Marley avec quelques reprises de ses grands standards.

Seul bémol à cette performance : la portion un peu trop congrue accordée à la danse. Car si comme le chantait Dalida, « Il faut danser reggae », force est de constater que sur cette représentation, les danseurs (excellents de surcroit) n’ont pas réellement pu s’exprimer sur les rythmes de plages instrumentales qu’auraient aisément pu proposer tous ces fameux musiciens, un peu à la manière dont Fally Ipupa réserve toujours dans ses spectacles une place de choix à ces artistes dits « de l’ombre ».

Franck BORTELLE

AVEC LOGIQUE…

La détentrice de tous les records de vente, aussi bien de disques que de billets de concert, réalisera une prestation lors de la cérémonie d’ouverture du prochain Festival de Cannes. L’occasion de revenir sur le parcours jalonné, et forcément jalousé, de cinéma de la chanteuse.

Les rageux se sont lâchés sur les réseaux sociaux dès qu’a été annoncée la participation de celle que tous les fans n’appellent plus que par son prénom à la cérémonie d’ouverture du prochain Festival de Cannes. Ces mêmes empêcheurs de tourner en rond, qui eux préfèreraient la siffler que la nommer, auraient pourtant tout intérêt à aller vérifier la totale légitimité de cette présence à un tel évènement. En effet, la chanteuse qui domine la variété française depuis maintenant 40 ans, n’a cessé depuis ses débuts, de convoquer le 7ème art dans son travail…

Commençons par le début : le patronyme. « Farmer » a été choisi par l’artiste en hommage direct à la comédienne de cinéma Frances Farmer, dont la vie fut une succession de souffrance et d’internements. La chanson « Maman a tort » fait d’ailleurs explicitement référence au film « Frances » (1982) qui relatait la vie de la comédienne. N’oublions pas non plus que le titre de cette chanson sera aussi quelques années plus tard (en 2016, réalisé par Marc Fitoussi) celui d’un film : hasard ou coïncidence ?

DES CLIPS COMME DE VRAIS FILMS

On peut ne voir aucune référence cinématographique dans la chanson « Tristana », même si un film éponyme existe et signé de l’immense Luis Bunuel avec Catherine Deneuve dans le rôle d’une jeune femme handicapée, mais il n’échappera à personne en revanche que les images du somptueux clip de Laurent Boutonat renvoient à Blanche-Neige et consacre la chanteuse comme une excellente comédienne (les grincheux savent-ils seulement qu’elle a de surcroit fait le Cours Florent ?).

Les clips, parlons-en ! Bourrés de référence (« Barry Lyndon » de Kubrick pour « Pourvu qu’elles soient douces »), ces véritables mini-films aux budgets souvent colossaux ont assis la carrière de la chanteuse-comédienne dans la catégorie « hors normes » dont elle est encore aujourd’hui la principale (pour ne pas dire l’unique) représentante à travers ses records, le gigantisme des prestations scéniques mais aussi la discrétion qu’elle entretient sans jamais se faire oublier. N’omettons pas non plus les noms des cinéastes qui jalonnent la carrière de Mylène Farmer : Abel Ferrara (le clip de « California »), Luc Besson (qui réalise « Que mon coeur lâche ») sans oublier François Hanss qui réalise plusieurs clips (dont le magnifique et sulfureux « Je te rends ton amour ») et toutes les captations de concerts depuis le début.

COMENCINI, GUITRY, KASSOVITZ, LEAN... ET FREARS !

« L’incompris » de Luigi Comencini, « La fille de Ryan » de David Lean (son film fétiche) sont clairement cités (« Elle a dit » sur l’album « Monkey me » et en ouverture de l’album « Innamoramento » sur le titre « l’amour naissant ») lorsque Sacha Guitry et son « Si Versailles m’était conté » servent d’appui au titre « Si vieillir m’était conté ». Bien sûr, difficile de ne pas voir dans l’entêtant « M’effondre », un gros clin d’oeil à « La Haine » de Mathieu Kassovitz avec le martèlement de la phrase désormais culte « Jusque là tout va bien ». Mais si on ne devait retenir qu’une seule chanson qui est née grâce à la cinéphilie de la chanteuse, ce serait sans coup férir l’envoutante litanie d’amour et de mort qu’est « Beyond my control », titre directement capturé du film « Les liaisons dangereuses » de Stephen Frears. La parolière qu’est Mylène Farmer ira jusqu’à utiliser la voix de John Malkovich (qui joue Valmont cette adaptation du roman de Laclos) scandant ces trois mots dans le film.

Le cinéma a régulièrement fait appel à Mylène Farmer également en tant qu’actrice. « Giorgino » de son alter ego musical et réalisateur des premiers clips Laurent Boutonnat sera le premier long-métrage où apparaîtra la chanteuse. S’ensuivront quelques opus supplémentaires dont « Ghostland » de Pascal Laugier qui quelques années plus tôt réalisait le clip de la chanson « City of love » (album « Interstellaires ») très inspiré de « Psychose » d’Hitchcock et de l’univers de Tim Burton. Souvenons-nous également du film « Presque rien » de Sébastien Lifschitz dans lequel un des personnages parodiait la chanson « Libertine ».

DEUX CHANSONS DE FILMS

A deux reprises, la chanteuse prêtera sa voix pour des génériques de films. Pour le dessin animé « Les Razmokets à Paris » (2000), elle écrit et interprète le très ambivalant « L’histoire d’une fée, c’est » et bien sûr, c’est sa voix envoutante qui saisit le spectateur à la fin de « Jacquou le Croquant » (2007) de Laurent Boutonnat avec le magnifique « Devant soi ».

Si l’on ajoute à cela la coécriture de quelques scénarios de ses clips (« l’Ame Stram Gram », « Tristana »), force est de reconnaître que la légitimité de la chanteuse au Festival de Cannes (où elle fut d’ailleurs jurée en 2021 avec Spike Lee comme président) n’est plus à prouver. N’en déplaise à ceux qui confirment que « pour plaire aux jaloux, il faut être ignoré ».

Franck BORTELLE

TOUT EST SPECTACLE, TOUT EST SCÈNE, TOUT EST DANSE…

C’est à un très beau moment de danse que nous ont conviés les 16 artistes africains sous la férule du chorégraphe Jorge Puerta Armenta dans ce lieu atypique dont ils ont su faire vivre et investir chaque mètre carré… La synergie était totale pour ce spectacle osé qui renvoie à la source de la création avec toutes les vicissitudes que cela peut supposer. Une très belle réussite…

« L’art naît de contraintes, vit de luttes et meurt de liberté » disait André Gide. Cette phrase du célèbre penseur et romancier français pourrait résumer toute la genèse de ce généreux moment de danse qu’ont présenté seize artistes africains dirigés par le célèbre chorégraphe d’origine colombienne Jorge Puerta Armenta. A partir de pas grand-chose (contraintes budgétaires…), il a proposé de montrer que le spectacle n’est pas toujours là où on veut le cantonner et qu’il ne se fait pas en un claquement de doigts… Il se prépare dans l’abnégation (et la lutte…) et trouve sa liberté ailleurs que dans celle que lui accorde l’opulence… Le pari était osé, il est remporté haut la main…

UN WORK IN PROGRESS

Les habitués du spectacle vivant, confortablement installés dans des fauteuils moelleux dans les grands théâtres et attendant la perfection qui rentabilisera leurs investissement et déplacement, auraient tout intérêt à venir voir ce genre de représentation. Car non, un spectacle n’est pas cet objet toujours calibré, carré, formaté. Le chemin qu’il suit pour arriver devant un public parfois très exigeant n’est-il pas une succession de spectacles à part entière ? C’est ce que nous montre le chorégraphe en réunissant ces artistes africains qu’il a fait travailler quelques jours seulement pour les livrer ensuite au public qui plonge malgré lui dans les arcanes de la création. Les approximations, les consignes du patron et même les accessoires faits de bric et de broc vont bien sûr accentuer ce processus.

DU SOL AU TOIT EN PASSANT PAR LES FENÊTRES…

Mais ça ne s’arrêtera pas là. La scène du centre culturel « Brin de chocolat » restera quasiment dans le noir et sera le seul endroit déserté et zappé. A quoi bon une scène pour faire de la scène ? Idée bien incongrue mais très saine lorsqu’on voit ce qu’a proposé cette bande de joyeux drilles qui ont investi le bâtiment du lieu pour se l’approprier. Le bâtiment et le reste car l’arbre bien planté au beau milieu de la cour aura les honneurs des athlètes autant que le portail d’entrée ou la jauge où le public aura pris place et sera d’ailleurs convié à participer. Toit, sol, barreaux de fenêtres, trottoir : chaque mètre carré est exploité.

TOUT FAIT SENS ?

Vouloir trouver du sens à chaque saynètes n’est pas forcément la meilleure manière d’aborder ce spectacle qui se veut avant tout, ainsi que l’ont confié les intervenants, un moment de partage et de joie. Mais tout de même, les esprits un peu analytiques pourront toujours percevoir dans certains détails de quoi alimenter leur sens de l’exégèse. Car après tout, le poids des fardeaux, la symbolique des barreaux, les luxes des lumières crachés en pleine figure ont aussi leur charge de sens…

« Tout est danse » a astucieusement souligné la chorégraphe Nadège Ametogbe au moment du débat avec le public. Chaque mouvement du corps est une chorégraphie. Certains en font leur métier, d’autres restent des sacs de noix dès qu’ils gigotent aux premières notes d’une musique entrainante mais tout est danse. De la même manière que tout est spectacle, tout est scène…

Franck BORTELLE

Projet ICC le 25 avril 2025 au Centre culturel Brin de chocolat.

Formateur : Jorge Puerta Armenta.

Les promesses des organisateurs n’ont pas failli : la soirée de clôture du Festival International de la Mode de Lomé s’est déroulée dans une explosion de savoir-faire et de couleurs qu’ont rehaussé une ambiance électrique et beaucoup d’audace. Une 12ème édition vraiment réussie.

Les organisateurs faisaient monter la tension d’un cran chaque soir, promettant des lendemains plus chantants que les veilles. Le niveau de créativité déjà proposé à l’Institut français le premier soir permettait de placer la barre très haut. S’en est suivie une première soirée à l’Hôtel Onomo où beauté et audace rivalisaient sans cesse. Qu’allaient donc pouvoir proposer les participants à cette 3ème soirée ?

Tout d’abord quelques invités de marque issus des milieux politiques puisque la ministre de l’économie s’est même fendue d’un discours. Ont été également cités ambassadeurs et secrétaires d’Etat, directeurs et directrices notamment des entreprises partenaires. Un hommage à la styliste Eri Méra récemment disparue a permis de rappeler la place qu’elle occupait dans le milieu de la mode africaine.

C’est le sponsor Voltic qui a ouvert le bal avec des tenues aux couleurs de la marque numéro un dans la sous-région dans l’eau minérale. Une jolie proposition avec des tenues plutôt variées auxquelles a succédé, tout en woodin, la collection du créateur togolais G Fashion. L’animation était assurée par l’artiste Seck.

L’Allemagne et le Togo pour le meilleur avec le créateur Madya Rauscher. Un mélange subtil à base de cotonnade où une rigueur toute germanique fusionnait avec cette classe dont les artistes du Togo ne sont jamais dépourvus.

Après l’allocution de la ministre du commerce, de l’artisanat et de la consommation locale, Kayi Mivedor-Sambiani qui a fait part de son grand intérêt pour le secteur de la mode, c’est le Nigéria qui a investi le podium avec la collection « Palm Beauty » de la styliste Victoria Grace qui revendique son combat pour l’écologie, ainsi que le démontrent les modèles très bucoliques où domine bien sûr le vert. Une collection de batik très réussie.

Fidèle à leur goût prononcé pour faire exploser les couleurs (tout au moins durant tout ce festival), les Togolais, sous la férule de Jacquie Créations et sa collection « African Vibe » a proposé un sublime cocktail d’élégance et de style, laissant apparaître par ailleurs une certaine androgynie. Audacieux, forcément…

Les Ivoiriens avec G’Nantin by Nini ont évoqué le thème de ce festival, la lutte contre le cancer, à travers leur collection « Panacée » où la mise en scène qui confrontait la symbolique des couleurs (maladie, lutte, espoir). Entre classicisme et innovation, la prestation a recueilli un chaleureux accueil.

L’autre sponsor, le nouvellement nommé « YAS » (anciennement Togocom) a, comme l’an passé, proposé une collection aux couleurs de la société, le bleu et le jaune. Une prestation éclatante qui a suscité des rires moqueurs pas franchement bienvenus. Dommage, car l’audace était également au rendez-vous…

Vlisco, la marque qu’on ne présente plus dans les pays du Golfe de Guinée, a offert quant à elle une série de toilettes très travaillées, une explosion de couleurs et de strass.

Le Sénégal et le Bénin pour une belle union avec Emma Style nous ont offert un plaisir des yeux inouï avec une collection de tenues amples parfois très décontractées, parfois très sahéliennes sur des couleurs rouge Bordeaux.

Strass, mousseline, satin : tout dans la légèreté vaporeuse de tenues de soirée. C’était le programme de cette magnifique collection « La Danse des étoiles » du créateur ivoiro-togolais Howandé Créations.

Un envoûtement signé de l’Ivoirien Mickaël Trah. La femme sublimée, en court ou long, en mariée ou femme d’affaires. Un chic absolu.

Ont suivi les créations de Ejiro Amos Tafiri. La Nigériane s’est elle aussi singularisée avec ses tenues très souples, amples, au confort qu’on imagine irréprochable.

La Française Caroline Bouvier n’a pas démenti la tradition déjà séculaire du savoir-faire hexagonal en matière de haute couture, de chic et d’élégance. Sa collection vivement applaudi alliait monochromie des tenues rehaussées de touches de couleurs des accessoires.

L’arrivée sur le podium de la collection d’Eliette Lasuperbe, la bienommée a probablement constitué le moment les plus commenté de la soirée. La Française a en effet fait péter les coutures de l’audace, à la stupéfaction d’une bonne partie des spectateurs. Drappé dans une robe de mariée pour le moins féminine, un homme a avancé sur le podium. Sans aller jusqu’à des lazzis et quolibets, son accoutrement en a médusé plus d’un. Quand la mode lance un message fort sur l’identité et le genre…

Sont ensuite apparues les tenues de la styliste sénégalaise Mame Faguéye Bâ. A la classe naturelle de la couleur noire était associée une multitude de couleurs comme des patchworks ou des tons plus monochromes dans les teintes dorées. Un contraste saisissant.

C’est le père du FIMO qui a clôturé ce dernier défilé. Jacques Logoh a présenté une splendide collection à dominante blanche avec des tenues savamment brodées. Un régal des yeux.

Quelques vidéos pour terminer en attendant la 13ème édition…

Franck BORTELLE

UNE SÉLECTION DE CHOC !

Soutenus par le programme « Quartiers lointains » crée en 2013, quatre courts-métrages sont proposés ce samedi dans le lieu culturel « La Case des Daltons ». Une sélection de haute volée à ne pas manquer et faite de films africains multi récompensés. C’est une première au Togo, raison de plus pour ne pas manquer ce rendez-vous. Un débat avec des spécialistes du 7ème art suivra.

Quatre films de court-métrage. Plus de 50 prix internationaux. Les palmarès donnent le vertige. C’est ce que propose ce week-end le lieu atypique La Case des Daltons (dans le contrebas de l’hôpital Sylvano Olympio) grâce au programme « Quartiers Lointains », qui initie tous les ans de manière itinérante des projections de courts-métrages entre l’Afrique, la France et les Etats-Unis. Ils s’arrêtent donc ce samedi à Lomé et c’est une première ! Un thème est retenu chaque année et cette édition est placée sous celui de la résistance. Pas nécessairement celle qu’on affuble du qualificatif de « militaire » mais celle qui ne demande qu’à faire sauter la chape de plomb qui pèse sur certaines personnes, certaines populations, qu’elle soit politique, religieuse ou culturelle.

UN UPPERCUT

Quatre films donc. Les vrais cinéphiles du Togo, ceux qui ne manquent aucune projection, aucun festival auront probablement plaisir à revoir le sublime « L’envoyée de Dieu » de la Nigérienne Amina Abdoulaye Mamani déjà proposé lors de la Fête du cinéma francophone 2024. Un uppercut qui traite de manière très frontale et sans afféterie le radicalisme religieux. La cinéaste a su parfaitement gérer ses effets pour proposer un film terrible, d’une beauté visuelle étourdissante sans sombrer dans un pathos que le sujet aurait pu laisser supposer. On peut parler de chef-d’oeuvre car on est vraiment proche du film parfait. Il a décroché 25 récompenses, notamment au FESPACO 2023. Une production Nigero-burkinabo-rwandaise à ne manquer sous aucun prétexte.

SOUS LA TERREUR, L’ESPOIR

Le documentaire de la soirée est une production britannico-éthiopienne. « Le Médaillon » évoque de manière à la fois poétique et symbolique le génocide de la Terreur rouge qui a coûté la vie à des milliers d’Ethiopiens dans les années 70. La réalisatrice Ruth Hunduma, qui a choisi de faire connaître ces abominations en évoquant sa mère, n’entend pas s’apitoyer dessus mais propose de regarder vers le futur sans pour autant oublier l’ancestralité de son pays.

AU PAYS DE LA TERRANGA

Ramata-Toulaye Sy n’est pas une inconnue au Togo. Son splendide « Banel et Adama » a déjà fait les beaux soirs notamment de l’Institut français en 2024. C’est son premier court-métrage qui est proposé cette fois. « Astel », production franco-sénégalaise, nous emmène au pays de la terranga en compagnie d’une jeune fille qui, en accompagnant son père en brousse, va faire une rencontre qui va bouleverser leur vie à tous les deux. Le film a reçu une quinzaine de récompenses.

UNE PALME D’OR À LOMÉ

Le seul homme de la sélection est égyptien. Son film « I am afraid to forget your face » a reçu la Palme d’or du court-métrage au Festival de Cannes en 2020. Sameh Alaa y parle de suicide mais comme d’un acte de résistance. Son film est une fiction inspirée d’une histoire qu’il a vraiment vécue. Un état des lieux de l’Egypte d’aujourd’hui.

Un débat suivra les projections. Il sera animé par des professionnels du 7ème art et permettra au public de s’exprimer à chaud sur ces quatre oeuvres.

Une soirée cinéma inhabituelle qui met en lumière ces oubliés du 7ème art que sont les courts-métrages, ces tremplins souvent méconnus qu’ont pourtant empruntés les plus grands cinéastes, de George Lucas à Steven Spielberg, de Charlie Chaplin à Alfred Hitchcock.

Franck BORTELLE

« Résistances », le 29 mars à 19 heures à la Case des Daltons (quartier Tokoin Hôpital dans le von du magasin « Mousse Confort »)

Entrée : 1000 FCFA (seconde entrée gratuite ainsi que deux cartons de pop corn).

C’EST JACQUES BREL QU’ON ASSASSINE

Du choix des chansons aux prestations vocales, des balances sonores aux accoutrements vestimentaires, la laideur a largement dominé cette soirée qui se voulait un hommage à la chanson francophone. Jacques Brel a dû provoquer un tsunami aux Marquises à force de retournements dans sa tombe. L’amateurisme dans ce qu’il a de plus pathétique…

Il s’agissait de passer une soirée festive, de voir le public se lever, chanter et danser au son des tubes incontournables dont serait persillé le programme. La fête s’annonçait grandiose. En démarrant sur « Une femme amoureuse » de notre indéboulonnable Mireille Mathieu, l’enjaillement cher aux Ivoiriens s’en prenait déjà un bon coup dans l’aile dès le lever de rideau. Sans parler qu’en terme de chanson francophone, il eut été plus astucieux d’éviter un titre américain traduit (« A Woman in love » immortalisé par la stressante Barbra S.). Dans une parfaite logique, c’est l’extrait « Laissons entrer le soleil » de la comédie musicale américaine « Hair » qui lança Julien Clerc dans les années 70 qui clôtura ce show fourre-tout plus proche du mauvais en tout que du bon à rien.

C’est le très symbolique « Aïcha » (Jean-Jacques Goldman-Khaled : l’accord parfait pour un hymne à la beauté féminine…) qui succéda et fit l’objet d’une prestation très honorable, en dépit d’un chanteur qui se prenait les couilles douze fois à la minute (jacksonnite aiguë, moonwalk en moins ?). Une lueur d’espoir que la fête démarre vraiment. Bien vite étouffée lorsque fut entonné le mollasson « Jardin d’hiver » d’Henri Salvador (chanson au demeurant magnifique signée du duo Keren Ann-Benjamin Biolay et qui relança la carrière de l’octogénaire auteur de « Zorro est arrivé ») avec une interprétation correcte mais sans surprise et qui fit bien vite retomber le soufflet. Alors qu’il suffisait de taper dans le répertoire pléthorique du célèbre Guyanais pour y trouver entre autres « Le blues du dentiste » autrement plus festif…

DEUX PIAF : UN DE TROP

La Môme Piaf fut bien sûr à l’honneur avec deux titres. Un de trop. « La vie en rose », vraiment réussi aurait suffi et cet « Hymne à l’amour » plus gueulé que chanté qui avait de quoi faire saigner les tympans aurait pu céder sa place à plus d’un titre… Ne jamais confondre vagissements et expressivité… Jacques Brel et son incontournable « Ne me quitte pas » prit la forme d’un massacre en règle avec un texte escamoté et ce malgré une présence massive de tablettes jouxtant les micros et affichant les textes des chansons.

UNE FRANCOPHONIE À GÉOMÉTRIE VARIABLE

L’arrivée du très francophone hit « Maldone » de Zouk Machine amorça un nouveau début de liesse, opérant une éjection massive des sièges de tous les corps pris par le démon de la danse (merci Etienne D.!). Sauf que « Ma philosophie », tube unique d’Amel Bent, fit bien rapidement se rasseoir tout le monde. Oui, il valait mieux être assis pour croire ce que l’on entendait). Le texte escamoté et mieux maîtrisé par les choristes que la chanteuse, la voix totalement absente lors des couplets et des râlements bien gutturaux pour les refrains : un mélange aussi étrange que celui d’enchainer avec ce parangon de niaiserie signé pourtant Luc Plamondon (auteur de « Starmania » tout de même !) et qui se veut une comédie musicale pédagogique parce qu’inspirée du chef-d’œuvre de Victor Hugo, « Notre-Dame de Paris ». Ils n’étaient pas moins de trois pour orchestrer un massacre. Chapeau bas comme dirait Monique Serf…

Deux équipes se succédaient et à l’intérieur de chacune, les rôles changeaient pour laisser à tous le loisir de s’exprimer. Pas stupide en soi, le principe aurait atteint son plein rendement avec un peu moins d’amateurisme et un meilleur choix des titres.

Bref, pour une soirée rythmée, on repassera. Malgré des musiciens efficaces, le show s’est enlisé dans une forme de guimauve, laissant majoritairement les spectateurs dans une léthargie totale. Où étaient donc passées ces fleurons de la chanson francophone sur lesquels des générations ont dansé ? Où étaient Véronique Sanson, Michel Berger, France Gall, Daniel Balavoine, Hoshi, Michel Polnareff, Alain Souchon, Etienne Daho, Mylène Farmer, Jean-Louis Aubert, Renaud, MC Solar, Serge Gainsbourg, Rachid Taha, Zazie, Francis Cabrel et tant d’autres, jusqu’à Brassens, moult fois repris dans des versions ska, rock et même pogo ?

Taisons les accoutrements vestimentaires car comme le chantait Françoise Hardy, « Tirez pas sur l’ambulance » et contentons-nous de laisser le mot de la fin à Barbara : oui, avant le final, « elle fut longue la route »…

Franck BORTELLE