EN ATTENDANT LA TROISIÈME…

La deuxième édition du Festival des Masques s’est déroulée ce week-end dans la capitale béninoise. Malgré une organisation en dents de scie, les spectacles, disséminés dans toute la ville, ont mobilisé un large public. Une fête réussie qui a fait la part belle à la couleur et aux rythmes. Un régal des yeux, incontestablement.

Le programme s’annonçait plus qu’alléchant avec des spectacles proposés dans les hauts lieux vaudous de la capitale béninoise. Pour sa deuxième édition, le Festival des Masques a globalement tenu ses promesses. Malgré quelques impairs notamment pour les accréditations presse et des changements de programme de dernière minute, les prestations annoncées ont pu avoir lieu.

De nombreux pays représentés ont donné toute leur énergie et leur talent pour épater un public venu très nombreux. Ainsi les Ivoiriens ont assuré un show mémorable où la technicité rendait l’art encore plus puissant, encore plus bluffant. Les musiciens, virtuoses, n’étaient pas en reste car on sait que du côté d’Abidjan, Yamoussoukro ou Bouaké, on n’échappe pas au démon de la danse. Parés d’une tenue sublime entre mauve et blanc, les artistes ont livré une prestation étourdissante en hommage à la tradition baoulée.

Mais c’est bien sûr le grand rendez-vous qui, un peu comme un moment de bravoure dans un film, a fait focaliser l’attention à la fois des organisateurs et des badauds. La grande parade, pour laquelle un dispositif scénique impressionnant avait été érigé, promettait un gros melting-pot de nationalités. Apparemment, les choses ont été revues à la baisse mais les Béninois du nord, les Ivoiriens et les Nigérians ont redoublé de présence pour enchanter la tribune officielle où s’étaient installés autorités diverses et variées, dont le président de la République Patrice Talon qui, casquette vissée sur la tête et tenue décontractée, a semblé savourer cet instant loin de ses obligations professionnelles.

Tenues d’une richesse inouïe tant au niveau des formes que des assortiments de couleurs, exercices de haute voltige époustouflants de lancers de capes mêlés d’acrobaties parfaitement maîtrisées ont permis de hisser haut cette parade flamboyante. On attend l’édition prochaine avec d’autant plus d’impatience…

Franck BORTELLE

ENTRE SOUPLESSE ET RIGIDITÉ

Une sortie de résidence puissante et chargée de symbole a ouvert la soirée avec le spectacle « Rouge » auquel a succédé une compétition endiablée où se sont affrontées huit équipes rivalisant de prouesses et de créativité. Une réussite totale malgré une rigidité doublée d’un indéniable chauvinisme du jury qui a préféré une des deux équipes togolaises, octroyant la seconde place à ceux qui ont pourtant vraiment fait le show…

Une table ornée d’une nappe aussi blanche que les éclairages sont rouge. La couleur du vin, du sang, celui de la vie mais aussi celui qui coule. En quarante minutes, les quatre intervenants ont offert un spectacle puissant, habité, mêlant danse et jeu dans une belle harmonie. Et même si les explications un peu fumeuses en fin de représentation auraient pu être évitées afin de laisser à chacun le soin d’interpréter tout ça comme bon lui semble, elles n’ont pas gâché ce beau moment.

Le temps d’un rapide changement de décor et l’ambiance est montée d’un cran. Après l’intimisme du « Rouge », c’est la folie bigarrée de la très attendue Breaking Battle qui a envahi l’espace du Magic Mirror de l’Institut français. Huit équipes de deux candidats, six pays. Chacune a quelques minutes pour en affronter une autre avec délibération immédiate du jury.

LA VIE EN ROSE CHEZ LES IVOIRIENS

Le show était de haute volée, incontestablement. Salto, appui tendu renversé, roulades et figures complexes se sont succédées grâce à ces véritables athlètes archi motivés. Il est simplement dommage que la victoire ait été accordée à ceux qui, sans démériter toutefois, se sont contentés de prestation classiques là où l’équipe ivoirienne s’est plue à constamment faire le show, arborant des couleurs inhabituelles (ah, cette tignasse rose bonbon) et prenant un vrai plaisir à casser les codes sans oublier de passer par la case de l’autodérision. Une souplesse tant physique que conceptuelle qui s’est malheureusement heurtée à une rigidité sans appel du jury. Dommage de ne pas récompenser celui qui cherche un tant soit peu à faire bouger les lignes…

Franck BORTELLE

UN SHOW BIEN FOUTRAQUE

Si d’un point de vue chorégraphique, l’ensemble de spectacle tient plutôt la route, on en déplorera toutefois l’aspect terriblement foutraque que ne rehausse pas certains partis-pris scénographiques ineptes. Reste un choix plutôt judicieux des morceaux musicaux même si le lien entre eux ne brille pas par son évidence.

Un retard de plus d’une demi-heure, un début de spectacle où les performers se livrent à un solo au beau milieu des spectateurs (rendant la chose invisible pour ceux qui étaient assis à l’autre bout de la jauge : bien vu le scénographe !) : tout cela ne partait pas du meilleur pied, en dépit de morceaux de musique bien choisiq, Bee Gees et Imagination en tête.

La proposition : on fait quoi en attendant l’arrivée de ce mystérieux James B. ? Pour l’identité du gars en question, on a bien compris qu’il ne s’agirait pas de 007 et qu’il faudrait orienter la recherche pour élucider ce secret de polichinelle du côté de la musique des années 70. Bref, on fait quoi en attendant l’arrivée en fanfare du James ? On danse, pardi ! Et en montant enfin sur la scène, ce qui semble frappé de bon sens…

TEXTES ET PRÉTEXTE SANS INTÉRÊT

Le texte et le prétexte, disons le clairement, sont nuls et sans intérêt et ce n’est pas cet énième rappel à l’ordre à l’attention des racistes de tout poil qui change grand-chose : les danseurs ne sont pas comédiens et ça se voit, ça se sent et surtout ça s’entend. « Tais-toi et danse » serait le mot d’ordre qu’on aurait envie de leur intimer… Et force et de constater qu’à partir du moment où ça danse, ça danse plutôt bien, forcément…

Un spectacle qui, par conséquent, débarrassé de certaines scories, pourrait immanquablement s’avérer bien plus présentable, d’autant que le petit after qui a permis aux spectateurs de s’amuser était plus que bienvenu.

Franck BORTELLE

TOUT EST SPECTACLE, TOUT EST SCÈNE, TOUT EST DANSE…

C’est à un très beau moment de danse que nous ont conviés les 16 artistes africains sous la férule du chorégraphe Jorge Puerta Armenta dans ce lieu atypique dont ils ont su faire vivre et investir chaque mètre carré… La synergie était totale pour ce spectacle osé qui renvoie à la source de la création avec toutes les vicissitudes que cela peut supposer. Une très belle réussite…

« L’art naît de contraintes, vit de luttes et meurt de liberté » disait André Gide. Cette phrase du célèbre penseur et romancier français pourrait résumer toute la genèse de ce généreux moment de danse qu’ont présenté seize artistes africains dirigés par le célèbre chorégraphe d’origine colombienne Jorge Puerta Armenta. A partir de pas grand-chose (contraintes budgétaires…), il a proposé de montrer que le spectacle n’est pas toujours là où on veut le cantonner et qu’il ne se fait pas en un claquement de doigts… Il se prépare dans l’abnégation (et la lutte…) et trouve sa liberté ailleurs que dans celle que lui accorde l’opulence… Le pari était osé, il est remporté haut la main…

UN WORK IN PROGRESS

Les habitués du spectacle vivant, confortablement installés dans des fauteuils moelleux dans les grands théâtres et attendant la perfection qui rentabilisera leurs investissement et déplacement, auraient tout intérêt à venir voir ce genre de représentation. Car non, un spectacle n’est pas cet objet toujours calibré, carré, formaté. Le chemin qu’il suit pour arriver devant un public parfois très exigeant n’est-il pas une succession de spectacles à part entière ? C’est ce que nous montre le chorégraphe en réunissant ces artistes africains qu’il a fait travailler quelques jours seulement pour les livrer ensuite au public qui plonge malgré lui dans les arcanes de la création. Les approximations, les consignes du patron et même les accessoires faits de bric et de broc vont bien sûr accentuer ce processus.

DU SOL AU TOIT EN PASSANT PAR LES FENÊTRES…

Mais ça ne s’arrêtera pas là. La scène du centre culturel « Brin de chocolat » restera quasiment dans le noir et sera le seul endroit déserté et zappé. A quoi bon une scène pour faire de la scène ? Idée bien incongrue mais très saine lorsqu’on voit ce qu’a proposé cette bande de joyeux drilles qui ont investi le bâtiment du lieu pour se l’approprier. Le bâtiment et le reste car l’arbre bien planté au beau milieu de la cour aura les honneurs des athlètes autant que le portail d’entrée ou la jauge où le public aura pris place et sera d’ailleurs convié à participer. Toit, sol, barreaux de fenêtres, trottoir : chaque mètre carré est exploité.

TOUT FAIT SENS ?

Vouloir trouver du sens à chaque saynètes n’est pas forcément la meilleure manière d’aborder ce spectacle qui se veut avant tout, ainsi que l’ont confié les intervenants, un moment de partage et de joie. Mais tout de même, les esprits un peu analytiques pourront toujours percevoir dans certains détails de quoi alimenter leur sens de l’exégèse. Car après tout, le poids des fardeaux, la symbolique des barreaux, les luxes des lumières crachés en pleine figure ont aussi leur charge de sens…

« Tout est danse » a astucieusement souligné la chorégraphe Nadège Ametogbe au moment du débat avec le public. Chaque mouvement du corps est une chorégraphie. Certains en font leur métier, d’autres restent des sacs de noix dès qu’ils gigotent aux premières notes d’une musique entrainante mais tout est danse. De la même manière que tout est spectacle, tout est scène…

Franck BORTELLE

Projet ICC le 25 avril 2025 au Centre culturel Brin de chocolat.

Formateur : Jorge Puerta Armenta.

TROP LONG, TROP LOURD, TROP BAVARD

Sur une idée de départ prometteuse et diablement originale puisque partant du sacrosaint postulat qu’on peut rire de tout, l’équipe de mise en scène se prend les pieds dans les planches avec un spectacle foutraque et déséquilibré que rehausse très péniblement une interprétation de qualité. Dommage…

Apanage de la culture française apparu au XIXè siècle à Paris, le cabaret s’inscrit dans la plus pure tradition populaire du spectacle au point que même le cinéma US s’en est emparé (le célèbre « Cabaret » de Bob Fosse). C’est d’abord un lieu où l’on boit à volonté tout en suivant un show, qu’il soit chanté, dansé, mimé ou persillé d’acrobaties. Devenu un genre théâtral à part entière, il est toutefois, à l’exception de salles qui lui sont entièrement dédiées, assez peu proposé en contrepoint au théâtre dit «classique ». Peut-être parce qu’en matière de mise en scène, il n’est pas donné à tout le monde de réussir à imposer une rigueur dans un genre qui par définition est assez foutraque.

Une très bonne idée de départ

L’idée d’utiliser ce mode d’expression pour parler d’un sujet éminemment grave, l’esclavage en l’occurrence, était excellente. Le retour des Amériques en terre natale, le Dahomey, va donc être le point de départ. Vont se greffer maintes péripéties à commencer par celle de la langue. Le revenant est lusophone… S’ensuit une avalanche d’aventures entrecoupées de chants et de danse, l’action se déroulant précisément dans un cabaret.

Un spectacle de cabaret est un tourbillon de folie, pas un pensum où le dialogue prime, phagocytant toute cette exubérance inhérente au genre. C’est là que le bats blesse sur cette représentation. Malgré quelques éclats de rire qui vont se faire entendre çà et là, le dialogue logorrhéique, majoritairement en dialectes africains, va rapidement lasser créant ainsi, faute de rythme, d’innombrables longueurs.

Des comédiens investis

Tout cela est d’autant plus dommage que visuellement l’ensemble est réussi avec une folie assumée dans les costumes, les accessoires, les maquillages et que le décor du Magic Mirror de l’IFT se prête par ailleurs parfaitement au genre. Les comédiens, quant à eux, affichent une indéniable qualité de jeu, une présence scénique parfois bluffante et un appétit de divertir qui ne peut mentir. Cela ne suffira pas pour hisser ce spectacle vers des sommets pas plus que le bord de scène qui suivra (avec notamment l’intervention très drôle de l’auteur du roman). Des coupes seraient les bienvenues afin de remettre au cœur du dispositif ce qui constitue l’essence du genre : la danse, le chant et la musique.

Pour l’heure, c’est plutôt le spectateur qui déchante…

Franck BORTELLE

Ecriture : Kangni Alem

Mise en scène : Gaëtan Noussouglo et Marcel Djondo

Vidéo : Arthur Poutignat

Avec Florisse Adjanohoun, Sophie Métinhoué, Félicité Notson Kodjo-Atsou, Agbléta Kokou dit Gbadamassi, Eustache Bowokabati Kamouna, Mawufemo Passa dit Manou le prophète, Roger Atikpo.

Prochaines représentations : Tsévié, Université de Lomé et Palais de Lomé.

C’EST JACQUES BREL QU’ON ASSASSINE

Du choix des chansons aux prestations vocales, des balances sonores aux accoutrements vestimentaires, la laideur a largement dominé cette soirée qui se voulait un hommage à la chanson francophone. Jacques Brel a dû provoquer un tsunami aux Marquises à force de retournements dans sa tombe. L’amateurisme dans ce qu’il a de plus pathétique…

Il s’agissait de passer une soirée festive, de voir le public se lever, chanter et danser au son des tubes incontournables dont serait persillé le programme. La fête s’annonçait grandiose. En démarrant sur « Une femme amoureuse » de notre indéboulonnable Mireille Mathieu, l’enjaillement cher aux Ivoiriens s’en prenait déjà un bon coup dans l’aile dès le lever de rideau. Sans parler qu’en terme de chanson francophone, il eut été plus astucieux d’éviter un titre américain traduit (« A Woman in love » immortalisé par la stressante Barbra S.). Dans une parfaite logique, c’est l’extrait « Laissons entrer le soleil » de la comédie musicale américaine « Hair » qui lança Julien Clerc dans les années 70 qui clôtura ce show fourre-tout plus proche du mauvais en tout que du bon à rien.

C’est le très symbolique « Aïcha » (Jean-Jacques Goldman-Khaled : l’accord parfait pour un hymne à la beauté féminine…) qui succéda et fit l’objet d’une prestation très honorable, en dépit d’un chanteur qui se prenait les couilles douze fois à la minute (jacksonnite aiguë, moonwalk en moins ?). Une lueur d’espoir que la fête démarre vraiment. Bien vite étouffée lorsque fut entonné le mollasson « Jardin d’hiver » d’Henri Salvador (chanson au demeurant magnifique signée du duo Keren Ann-Benjamin Biolay et qui relança la carrière de l’octogénaire auteur de « Zorro est arrivé ») avec une interprétation correcte mais sans surprise et qui fit bien vite retomber le soufflet. Alors qu’il suffisait de taper dans le répertoire pléthorique du célèbre Guyanais pour y trouver entre autres « Le blues du dentiste » autrement plus festif…

DEUX PIAF : UN DE TROP

La Môme Piaf fut bien sûr à l’honneur avec deux titres. Un de trop. « La vie en rose », vraiment réussi aurait suffi et cet « Hymne à l’amour » plus gueulé que chanté qui avait de quoi faire saigner les tympans aurait pu céder sa place à plus d’un titre… Ne jamais confondre vagissements et expressivité… Jacques Brel et son incontournable « Ne me quitte pas » prit la forme d’un massacre en règle avec un texte escamoté et ce malgré une présence massive de tablettes jouxtant les micros et affichant les textes des chansons.

UNE FRANCOPHONIE À GÉOMÉTRIE VARIABLE

L’arrivée du très francophone hit « Maldone » de Zouk Machine amorça un nouveau début de liesse, opérant une éjection massive des sièges de tous les corps pris par le démon de la danse (merci Etienne D.!). Sauf que « Ma philosophie », tube unique d’Amel Bent, fit bien rapidement se rasseoir tout le monde. Oui, il valait mieux être assis pour croire ce que l’on entendait). Le texte escamoté et mieux maîtrisé par les choristes que la chanteuse, la voix totalement absente lors des couplets et des râlements bien gutturaux pour les refrains : un mélange aussi étrange que celui d’enchainer avec ce parangon de niaiserie signé pourtant Luc Plamondon (auteur de « Starmania » tout de même !) et qui se veut une comédie musicale pédagogique parce qu’inspirée du chef-d’œuvre de Victor Hugo, « Notre-Dame de Paris ». Ils n’étaient pas moins de trois pour orchestrer un massacre. Chapeau bas comme dirait Monique Serf…

Deux équipes se succédaient et à l’intérieur de chacune, les rôles changeaient pour laisser à tous le loisir de s’exprimer. Pas stupide en soi, le principe aurait atteint son plein rendement avec un peu moins d’amateurisme et un meilleur choix des titres.

Bref, pour une soirée rythmée, on repassera. Malgré des musiciens efficaces, le show s’est enlisé dans une forme de guimauve, laissant majoritairement les spectateurs dans une léthargie totale. Où étaient donc passées ces fleurons de la chanson francophone sur lesquels des générations ont dansé ? Où étaient Véronique Sanson, Michel Berger, France Gall, Daniel Balavoine, Hoshi, Michel Polnareff, Alain Souchon, Etienne Daho, Mylène Farmer, Jean-Louis Aubert, Renaud, MC Solar, Serge Gainsbourg, Rachid Taha, Zazie, Francis Cabrel et tant d’autres, jusqu’à Brassens, moult fois repris dans des versions ska, rock et même pogo ?

Taisons les accoutrements vestimentaires car comme le chantait Françoise Hardy, « Tirez pas sur l’ambulance » et contentons-nous de laisser le mot de la fin à Barbara : oui, avant le final, « elle fut longue la route »…

Franck BORTELLE

UN ILÔT D’ORIGINALITÉ DANS UN OCÉAN DE BANALITÉS

Tant dans la forme que dans le fond, Babacar Cissé déçoit avec cet enchevêtrement de poncifs malgré une indéniable bonne volonté et une idée de départ respectable. L’ensemble s’enlise dans le convenu et les longueurs. Au final un spectacle à revoir de fond en comble. Une seule très bonne idée ne sauve pas ce ratage qui mange à tous les râteliers et dont même le fond laisse sceptique…

Un homme déboule sur la scène, capote de soldats sur le dos et casque lourd sur la tête. C’est la guerre. Une guerre qui n’est pas la sienne. Enrôlé de force comme tant d’Africains qu’on a regroupés sous l’appellation de « contingent des tirailleurs sénégalais ». Son fusil à la main, il nous adresse la parole pour nous expliquer ce qu’on sait déjà, Mathieu Vadepied avec son récent « Tirailleurs » et les livres d’histoire nous l’ayant déjà raconté. Déjà vu, déjà entendu, fermez le ban.

C’est engoncé dans un bleu de travail que surgit du fond de la scène un ouvrier modèle, africain. Il prend lui aussi cette parole qu’on ne lui a pas si souvent accordée. Il a franchi la mer dans les années 70-80 et est venu « de son plein gré vider les poubelles à Paris » (comme le chantait Pierre Perret dans « Lily ». Paris, la ville où tout est possible, même le pire. Même se tuer au travail. Rien de bien nouveau dans tout cela. Le cinéma, jusqu’au récent « Histoire de Souleymane », compte des dizaines de films sur le sujet.

Nous arrivons aux années 2000. Tout a changé, même le siècle, même le millénaire. Un homme danse, vit de sa passion, l’assouvit à s’en faire craquer les articulations. Encore une douleur… Mais fort heureusement, sa fille, celle qui va probablement reprendre le flambeau, exécute déjà ses premiers pas… La relève est assurée.

Et la danse dans tout ça ?

Comment un chorégraphe de renom et un danseur de la qualité de Babacar Cissé peut-il nous proposer un tel spectacle où la danse n’occupe finalement que la partie congrue, bouffé par des vidéos à l’image dégueulasse et des textes sans la moindre originalité ? On ne renie bien évidemment pas la nécessité d’évoquer l’histoire, de faire parler ceux qu’on a si souvent intimés de se taire. Bien sûr, le devoir de mémoire, tant pour le grand-père (le spectacle est totalement autobiographique) que le père qui s’est tapé en France les sales boulots que les Hexagonaux refusaient déjà de faire car trop dégradants et fatigants. Mais pourquoi avoir tant voulu parler au lieu de danser ? Pourquoi avoir parasité autant l’espace scénique de ces images interminables ? Une interview de sa fille dont on a bien compris qu’elle était la prunelle de ses yeux (et tant mieux, il y a tellement de gamins qui n’ont pas cette chance), n’apporte rien et fait sombrer le spectacle dans une écoeurante facilité à émouvoir. Cissé semble tout simplement s’être trompé de spectacle et nous inflige un pensum sans intérêt et sans originalité (la seule véritable idée de mise en scène consistant à l’utilisation astucieuse de micros pour signifier les bruits d’un corps qui s’abime…).

On peut aussi se questionner sur la pertinence d’avoir mis sur un même pied d’égalité les douleurs des trois personnages principaux. La douleur de l’homme qui sait qu’il peut mourir à tout moment à la guerre, celle de l’ouvrier qui s’est battu pour un peu de dignité en se tuant au boulot sont-elles à mettre au même niveau que celles, articulaires et organiques, d’un homme qui assouvit sa passion ? Pas sûr que si le grand-père avait vu ce spectacle, il ne serait pas monté sur la scène pour coller à son petit-fils une grande claque dans la figure en lui faisant comprendre qu’il faut aussi apprendre à relativiser dans la vie… Hélas, la nuance n’est pas le point fort de ce spectacle long, balisé comme une autoroute et truffé de poncifs. Et ce n’est pas cette allégorie avec le papillon (la chrysalide etc.) qui va apporter une quelconque légèreté à l’ensemble…

Franck BORTELLE

« La dernière danse du monarque » de et avec Babacar Cissé a été joué le 8 mars à l’Institut français du Togo.

FORCE ET PUISSANCE

Elles ont occupé la scène du Magic Miror de l’Institut français comme des reines, d’authentiques amazones. Fragiles et guerrières, elles ont offert une performance bluffante devant une salle comble. En cette journée du 8 mars, on ne pouvait pas imaginer plus bel hommage à la Femme.

Il fallait le savoir qu’il s’agissait d’une sortie de résidence, autrement dit un spectacle en voie de perfectionnement et d’ajustements. Viscéralement investies, les jeunes danseuses se sont données à fond pour une performance décoiffante d’une bonne quarantaine de minutes.

Accompagnées de musique hip-hop qu’elles ont mêlée à des chorégraphies plus traditionnelles que soulignaient également les tenues vestimentaires, elle ont offert un très beau moment où la fragilité et la puissance se faisaient sans cesse écho. Du très beau travail dont on attend impatiemment une suite.

Franck BORTELLE

« Agodjie » le 8 mars à l’Institut français du Togo.

CA DÉCOLLE !

Le Festival a pris a vitesse de croisière lors de la deuxième soirée mais c’est vraiment au marché de Cacavelli qu’il a pris son envol avec trois spectacles décoiffants qui ont fait voyager le public au Congo, au Bénin avant un retour au Togo avec l’enfant du pays, Paki Chenzü. On peut toutefois regretter que ce dernier ait été le seul vraiment salué à sa juste valeur, d’autant que les danseurs masqués venus d’Agbodrafo n’ont pas démérité durant les deux premiers concerts.

Les festivités ont commencé avec la formation Kin’Gongolo Kiniata, cinq jeunes Congolais de Kinshasa. Chant, percussion, batterie, basse, guitare ont résonné au rythme d’une musique afropop pour le moins débordante d’énergie. La performance méritait un public moins clairsemé car elle s’inscrit vraiment dans ce que ce festival a proposé de meilleur. Les instrumentistes s’en sont donné à coeur joie de faire vibrer l’espace du Marché Cacavelli avec des morceaux faits pour tenir une durée de 7 ou 8 minutes. Un show magistral.

LE BENIN EN LIBERTÉ

Prendre la suite n’était pas chose évidente. Le soufflé aurait pu aisément retomber. C’était sans compter sur la dynamique formation béninoise B.I.M., acronyme de « Benin international musical ». Ils ont livré une véritable polyphonie musicale avec des titres ancrés dans les traditions africaines, le tout savamment dosé de rock pur et dur. Avec en prime un moment qui mérite de faire réfléchir les contempteurs de la version reggae de « La Marseillaise » par Serge Gainsbourg dans les années 80 (où tous les fachos et militaires, qui bien souvent sont les mêmes) lui étaient tombés dessus. En effet, ces chaleureux artistes ont proposé leur hymne sans en changer les paroles mais en l’accomodant à leur style musical. Les Béninois présents dans le public ont apprécié ce qui, renseignement pris, ne constitue pas un crime de lèse majesté mais simplement une liberté désacralisante.

L’ENFANT DU PAYS

C’était bien sûr lui que tout le monde attendait. L’enfant du pays Paki Chenzü, après être parti se frotter au public ivoirien, était de retour en terre togolaise. Une indéniable présence scénique, mais un contact assez distant avec le public et un comportement qui pue la prétention, ainsi que le confirment les interviews sur les réseaux sociaux. Pour ce qui est de sa musique, on peut aussi ne pas aimer…

La suite du festival se déroulera pour la toute dernière soirée au Marché Cacavelli le dimanche 23 février dans la soirée.

Franck BORTELLE

TOUT FEU TOUT FLAMME

Cette seconde soirée musicale au Magic Mirror, après une ouverture la veille plus que tiède, a permis de donner au Festival des Afropéennes sa véritable vitesse de croisière. Trois concerts se sont succédé, proposant mixité, couleurs et éclectisme. Malgré une ambiance par franchement explosive, l’ensemble s’est avéré de bonne facture.

Oubliés les ratages de ma veille, ce sont les organisateurs qui ont seuls pris la parole et sans s’éterniser pour laisser la place aux spectacles.

Le premier proposait un groupe dont la mixité sonnait comme une évidence, tant d’un point de vue éthique que musical. Innocent Kimpe et Praktika ont livré une performance sublime, le premier au balafon, ce magnifique instrument sud-sahélien dont les sons vous transpercent l’âme et le second sur son ordinateur qui balançait une musique électro bien secouée. La virtuosité du jeune Africain n’a pas manqué de suscité de vives réactions du public venu dans la fosse pour admirer de plus prés cet impressionnant savoir-faire.

ROCK A GOGO

La place a ensuite été laissée au groupe Ukandanz. Mené par son chanteur emblématique, l’Ethiopien Asnake Gebreye, le groupe, qui compte déjà plusieurs albums à son actif et compte des dizaines de milliers de vue sur YouTube, a quant à lui mêlé des textes en langue locale avec des sonorités occidentales grâce à un saxophoniste, un bassiste et un batteur, tous deux également très inspirés et investis. Une musique résolument rock mais qui déplacent allègrement les curseurs du genre pour naviguer dans des eaux inattendues et forcément séduisantes.

DUO EXPLOSIF

La soirée s’est poursuivie avec un duo pour le moins inattendu. Il s’appelle GKBL, acronyme réunissant leurs deux identités : Germaine Kobo et Bella Lawson. La première est d’origine congolaise, la seconde est togolaise. Leur crédo, elles aussi, repose sur la mixité. Bien qu’africaines, elles puisent aussi bien dans l’art tribal que le punk et l’électro auxquels elles mêlent leurs racines pour quelque chose de vraiment neuf et diablement rafraichissant. A elles deux, elles ont vraiment allumé le feu ce samedi sur la scène du Magic Mirrors de l’Institut Français, tant par leur look ravageur que leur musique, véritable invitation à l’enjaillement…

La suite du Festival se déroulera samedi et dimanche au Marché de Cacavelli.

Franck BORTELLE